Iñárritu o (la esperada virtud del talento mexicano)

David Azar: @DavidAzar93

Creo que para ser un director de cine, uno tiene que ser un guerrero que no se deja ser vencido por los obstáculos que se presentan todos los días. Todos colgamos de hilos delgados y estamos a la merced de varios elementos; si uno cae todo se viene abajo, y como el buen guerrero que soy no me voy a venir abajo” Alejandro G. Iñárritu

Alejandro Gonzalez

El cine mexicano tuvo su mayor auge durante los años 40 y 50, periodo conocido como la “época de oro”. Fue durante este periodo cuando México realmente tuvo una industria cinematográfica con bases solidas, produciendo películas a un ritmo inigualable, y los frutos de su producción alcanzaron muchos lugares y festivales alrededor del mundo. Nombres como los de Emilio “el Indio” Fernández, Roberto Gavaldón e Ismael Rodríguez resonaban no solo como los mejores directores mexicanos, sino también los mejores de toda Latinoamérica en ese tiempo.

Durante estas dos décadas, el cine mexicano era famoso por sus melodramas, en los cuales muchos actores la hicieron también de cantantes. Este hecho despegó las carreras de muchos artistas mexicanos tanto en la industria cinematográfica como en la musical. Actores como Pedro Infante y Jorge Negrete ganaron fama internacional al cantar en sus películas, y su música ha permanecido como un elemento importantísimo en la cultura pop mexicana.

La mayoría de estos filmes, incluso cuando contaban con argumentos extremadamente dramáticos, siempre fueron llevados a cabo de una manera muy suave y convencional. Luis Buñuel fue una de las muy pocas excepciones con algunos de sus filmes como Los Olvidados (1950) y El Ángel Exterminador (1962); el director español-mexicano exploraba temáticas más oscuras y controversiales, realizados con una visión más cruda de lo habitual.

A finales de los años 60, México sufrió una fuerte decadencia en su industria y cultura cinematográfica, dando un giro extremo a su producción fílmica. El cine de “ficheras” empezó a producirse y pretendía llegar a una audiencia diferente. Sus temas caían en lo grotesco a través de argumentos pornográficos, mayormente centrados en cabarets como locaciones y prostitutas como personajes, dando como resultado el declive de México en el panorama internacional de cine de renombre. Curiosamente, muchas celebridades nacionales de la actualidad llegaron a la fama gracias a esta época del cine mexicano.

No fue hasta finales de los 90 que México empezó a llamar nuevamente la atención en el panorama internacional desde la “época de oro”. Alejandro González Iñárritu rompió en el universo del séptimo arte a comienzos del nuevo milenio con su opera prima Amores Perros (2000). La esencia y energía del debut de Iñárritu era algo diferente a cualquier otra cosa antes hecha en la historia del cine mexicano: el estilo del cineasta consistía en tomas a cámara en mano en vez de planos estabilizados con la ayuda de un tripie o Dolly, brindándole al filme una sensación más realista, más natural y más tangible, casi documentalista. Con el apoyo de un guión detalladamente construido por Guillermo Arriaga, conocido como el maestro de la narrativa no lineal, Iñárritu recreó una atmosfera realista de elementos dramáticos que se convertiría en su firma personal que bien plasmaría en sus siguiente películas.

Arriaga e Iñárritu se dieron cuenta del exitoso resultado proveniente de su colaboración; esto motivó a la pareja a la realización de otros dos filmes antes de decidir partir por diferentes rumbos. 21 Grams (2003) fue el segundo proyecto de Iñárritu, y el primero en ser producido por un estudio Hollywoodense. El resultado fue otra vez favorable, gracias a la combinación del ya descubierto estilo innovador del director y a un fresco reparto de renombre que consistía en actores de talla grande, tales como Sean Penn, Benicio Del Toro y Naomi Watts, todos ellos grandes celebridades de la meca del cine. Babel (2006) fue el siguiente y último filme de la mancuerna Iñárritu-Arriaga. El tercer proyecto de la pareja terminó siendo el más premiado en su tiempo, contando una vez más con una narrativa no lineal, pero en esta ocasión combinando no sólo tres historias, sino cuatro países, culturas e idiomas también. Babel recibió siete nominaciones al Oscar, incluyendo Mejor Película y Mejor Director, causando una catarsis nacional, y otorgó a Iñárritu el premio a Mejor Director en la edición 59 del Festival de Cannes, siendo el primer mexicano en recibir dicho reconocimiento.

Después de una discusión de diferencias creativas, la separación de la célebre mancuerna de dirección y guión fue inminente. Arriaga sentía que no recibía el crédito suficiente y clamaba ser tan creador de los filmes como el mismo Iñárritu, mientras que el director defendía su posición de creador absoluto afirmando que Arriaga nunca había pisado un set cinematográfico.

Guillermo Arriaga
Guillermo Arriaga

Fue sólo después de tres años de ausencia productiva que el realizador mexicano regresó con su cuarto filme, Biutiful (2009), escrito por sus nuevos colegas Armando Bo, Nicolás Giacobone, y él mismo. Este proyecto sería el primero en la filmografía de Iñarritu en no contar con una narración no lineal. La película se estrenó en la edición 63 del Festival de Cannes y le otorgó a Javier Bardem, quien interpreta al protagonista, el premio a Mejor Actor. Muchos críticos y otros cineastas se han referido a Biutiful como la cinta más madura y convincente dentro del cuerpo de trabajo del mexicano. El filme explora la desesperación y desolación que generan las circunstancias externas e incontrolables, y nos golpea con el discurso de la debilidad del ser humano ante las causas mayores: Uxbal, el personaje principal, descubre que está muriendo de cáncer y lucha por encontrar a alguien que pueda ver por sus dos hijos cuando él ya no esté ahí para ellos. La manera en que Iñárritu lleva a cabo la dramatización es muy fértil y aterradora.

La mirada realista de Iñárritu se traduce en la pantalla gracias a la fotografía de Rodrigo Prieto, cinematógrafo de cabecera en la filmografía del director. La música del cine de Iñárritu, escrita y conducida por el compositor argentino Gustavo Santaolalla, siempre carga en sí el tono acertadamente depresivo que encaja de manera perfecta con el ambiente de las historias que el cineasta pretende contar.

Para su último filme, Iñárritu hizo un cambio radical en su estilo. Birdman or (the Unexpected Virtue of Ignorance) [2014] encontró su lugar como uno de las mejores películas, sino es que la mejor, del año en que se estrenó así como una de las ejecuciones del plano secuencia más impresionante de todos los tiempos, curiosamente realizada por un cinematógrafo diferente al colaborador usual, pero excepcional como él mismo: el mexicano Emmanuel “el chivo” Lubezki.

Birdman or (the Unexpected Virtue of Ignorance) sigue la historia de Riggan (interpretado por un sorprendente Michael Keaton), una celebridad en crisis existencial quien, después de haberse hecho de muchísima fama al encarnar a un superhéroe en sus mejores años, busca desesperadamente el reconocimiento perdido al intentar debutar en Broadway con una obra de teatro que él mismo adapta, dirige y estelariza.

Existen muchísimas razones por las cuales alabar Birdman or (the Unexpected Virtue of Ignorance), tanto en cuestiones técnicas como narrativas. Por una parte, Iñárritu optó por un enfoque muy ambicioso para la realización de esta película; filmó el guión (una vez más, escrito por él mismo, sus colaboradores de Biutiful y Alexander Dinelaris como nuevo elemento) de manera que toda la cinta aparenta ser una sola toma. Lubezki es elemento clave para este logro. También, Birdman or (the Unexpected Virtue of Ignorance) es el primerísimo intento de Iñárritu dentro de otro género cinematográfico que no sea el drama realista que tanto lo caracteriza: la comedia negra.

Michael Keaton y Alejandro G. Iñárritu
Michael Keaton y Alejandro G. Iñárritu

Para este proyecto, Santaolalla se hizo a un lado y abrió paso a otro talento musical con una propuesta fresca y alternativa para la banda sonora. El baterista de Jazz Antonio Sánchez brinda un ritmo vitalmente interactivo a los personajes de la película por medio de solos de batería filosamente coordinados. Uno podría decir que la música de Sánchez se siente como un personaje más dentro de la película.

Para propósitos de realismo, Iñárritu se decidió por planos secuencia y abandonó la la cobertura convencional. Lubezki clama que el guión pedía ser filmado de esta manera y que no estaba previsto así en las etapas tempranas de producción, sino que fue un proceso creativo que se fue desarrollando eventualmente. Michael Keaton expresó que éste ha sido el filme más arduo y exigente del que haya sido parte, puesto que todas las escenas eran de una sola toma continua con muchos movimientos tanto del elenco como de la cámara, y con muchísimo dialogo memorizado en juego.

Birdman or (the Unexpected Virtue of Ignorance) es más que tan solo el trabajo más reconocido dentro de la filmografía de Iñárritu, o el más premiado y nominado también (acreedor a 2 Globos de Oro y 9 nominaciones al Oscar pendientes a resultados); es una evidencia de la creatividad y ambición in crescendo de un verdadero artista cinematográfico. Desde su estreno internacional en la Biennale di Venezia, el filme ha encontrado cada vez más y más entusiastas, y ha puesto a Iñárritu bajo un reflector todavía más incandescente que aquel que lo alumbraba hace apenas unos años.

Alejandro González Iñárritu se ha convertido en uno de los cineastas más influyentes en México y a nivel mundial en la última década, poniendo el nombre de su país, al igual que otros realizadores mexicanos como Alfonso Cuarón y Guillermo Del Toro, en el ojo de millones de espectadores.

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