47º Edición del IFFR: Impresiones del Festival Internacional de Cine de Rotterdam 2018

David Azar: @DavidAzar93

Lo que inicialmente fue un viaje a la 47º edición del Festival Internacional de Cine de Rotterdam (IFFR) entre cuatro amigos, se convirtió en este texto con las impresiones de una parte de lo que alcanzamos a ver de la extensa programación del certamen. Por motivos de espacio, cada uno seleccionó sus dos películas preferidas del festival y el resultado es lo que sigue a continuación.

Tiempo compartido (Sebastián Hofmann, 2018, México-Países Bajos, 96′)

Cinco años después de presentar su cinta debut Halley (2013), el realizador mexicano Sebastián Hofmann regresa a Rotterdam con Tiempo compartido, una comedia acida en la que dos individuos, completamente diferentes el uno del otro, son víctimas de la monstruosa maquinaria de un proyecto hotelero en una playa ficticia que nos remonta a la plasticidad de Cancún. Un colosal y multinacional complejo turístico, cruel en su gestión de clientela, cínicamente indiferente con sus empleados y tremendamente burocrático, se convierte en la mayor pesadilla de Pedro (Luis Gerardo Méndez), padre de familia humillado y venido a menos por el peor servicio de su vida, y Andres (Miguel Rodarte), eterno empleado del complejo, desgastado, traumatizado y con hambre de venganza.

Hofmann teje una serie de eventos tragicómicos que al principio son graciosos, pero con el tiempo tornan tenebrosos. En lo general, Tiempo compartido es un thriller sobre la espeluznante telaraña de la burocracia donde el personaje de Pedro, desde su posición como consumidor de un servicio, busca hacer valer un principio de respeto y calidad, pero la suerte juega con su paciencia y se ve arrastrado al rincón más oscuro de la incompetencia. En lo particular, se trata de una comedia negra acerca de la artificialidad e inhumanidad de la esfera turística en las playas de México para con sus empleados, donde Andres ha depositado toda una vida de trabajo y no es recompensado de manera justa, sino todo lo contrario, es aplastado y nunca más considerado por su lealtad.

Con Tiempo compartido, Hofmann da un salto abismal en su estilo cinematográfico, tomando riesgos y saliéndose con las suyas con lo que resulta ser un estrepitoso viaje hacia una espiral de terror que nos divierte a carcajadas, pero también nos hace reflexionar qué es lo que deberíamos hacer con nuestras próximas vacaciones.

Hanagatami (Nobuhiko Obayashi, 2017, Japón, 169′)

Nadie estaba preparado cuando Hausu (1977) se proyectó por primera vez en las pantallas japonesas. Incluso hoy en día es un dolor de cabeza tratar de definir el collage ecléctico de Nobuhiko Obayashi: una cinta de terror, comedia y aventura acerca de un grupo de colegialas que pasan las vacaciones en una casa embrujada donde un gato/bruja pretende devorarlas una por una. No es la trama con la que Obayashi conquistó a cinéfilos de todas partes del mundo (y continúa haciéndolo), sino la forma que éste empleó para llevar a cabo su visión: todo tipo de yuxtaposiciones con animación, colores, música, cámara lenta y diseño sonoro hicieron de Hausu la película de culto por excelencia de toda una generación y época.

Cuarenta años han pasado desde que Obayashi fascinó al mundo con su ópera prima, y este año en Rotterdam, con ochenta años de edad bien cumplidos, el realizador japonés y maestro del pastiche regresa con lo que en sus palabras es “su cinta más personal.” Hanagatami se ubica en tiempos de la Segunda Guerra Mundial y sigue la historia de un adolescente llamado Toshiko y sus nuevas amistades al regresar a Japón después de haber vivido en Amsterdam. En medio del caos de la guerra, Obayashi nos remite a la pureza de la juventud llevándonos una vez más al mundo de la adolescencia, donde personajes de todos los tonos y personalidades hacen de cada escena una fiesta de imágenes coloridas, secuencias bizarras e historias absurdas, todo desde el punto de vista de la amistad. Obayashi no ha abandonado su estilo ecléctico y fascinantemente ridículo, sino que lo abraza en su totalidad, lo abraza por más de dos horas de metraje y demuestra a la audiencia que su creatividad se ha mantenido igual de encendida que hace cuatro décadas.

Gordon So

The Widowed Witch (Xiao gua fu cheng xian ji, Cai Chengjie, 2018, China, 120′)

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En China, la mujer es el segundo sexo. Una mujer viuda, como podrían imaginarse, está obligada a soportar el destino más trágico. The Widowed Witch de Cai Chengjie es una ficción surreal que representa la lucha cotidiana que significa ser una mujer viuda en la sociedad china. Lo genial de esta cinta es la manera en que Cai se apropia de la figura de la bruja. Por definición, una bruja es una mujer que posee poderes mágicos, un ser que oscila entre los planos de lo real y lo fantástico. Esta idea es amplificada por Cai en su uso del color. La mayoría de la cinta es en blanco y negro, pero a veces vemos pequeñas porciones del cuadro adornadas con color, como las luces de Navidad en la guarida de la bruja. Esta escasez de color atribuye un tono débil a la humanidad en un mundo frío y cruel. La cinta nos trata de decir que la mala no es la bruja, si no la sociedad. Por otro lado, la bruja, con su cualidad femenina y voluntad de hierro por sobrevivir, constituye la extrañeza y lo fantástico dentro de una dura realidad; es así como el surrealismo es un estilo acorde para esta película. El juego entre fantasia y realidad sucede en distintos planos. Por momentos, la audiencia no estará segura de si Erhao es realmente una bruja, incluso el mismo personaje se ve igual de confundida, pero cuando llega el momento de la verdad y la gente decide creer que es una bruja, entonces en una bruja se ha de convertir, usando la superstición china a su favor.

The Bold, the Corrupt and the Beautiful (Xuè guān yīn, Yang Ya-che, 2017, Taiwán, 112′)

Hay un refrán chino que dice: “El corazón de la mujer es lo más venenoso.” Ganadora del Caballo de oro de 2017, The Bold, the Corrupt and the Beautiful se mantiene a flote en el estanque de cocodrilos que es la política china, al mismo tiempo que presenta una familia completamente femenina. Como espectador chino, puedo sentir en la sangre lo mucho que resulta espeluznante esta cinta: la crueldad tan característica de China que se transmite de generación en generación, gente que nace y crece en un ciclo eterno de dolor producto de un cierto desamor inherente en esta cultura. Otro refrán chino que dice “Miel en la boca, espada en el estómago” describe fielmente la traición que se esconde bajo la apariencia de los personajes. The Bold, the Corrupt and the Beautiful (la tenaz, la corrompida y la hermosa) refiere a las tres mujeres que protagonizan esta historia. Muchas veces tomé las cosas como se presentaban en la película: un personaje refiere a la tenacidad, el otro a la belleza, y el último a la corrupción… pero cuando más detalles son revelados a través de la repetición de escenas previas, me vi escarbando más profundo en la historia – o tal vez la historia escarbó más profundo en mí – y me encontré de cara a la verdad, una verdad que no podía creer; más revelaciones podrían esconderse debajo de las apariencias. The Bold, the Corrupt and the Beautiful representa el demonio chino con una precisión espectacular, y yo recomiendo ampliamente a los demás herederos de la cultura china que vean esta película (o simplemente quien sea que esté interesado en el tema).

 

Francisco Martins Fontes: @Francisco_MF

Phantom Thread (Paul Thomas Anderson, 2017, Estados Unidos, 130′)

Durante la introducción de este evento especial del IFFR, donde la cinta se proyectó acompañada de la Orquesta Filarmónica de Rotterdam – la cual dio vida a las piezas melancólicas, inquietantes y románticas del compositor Jonny Greenwood – una de las preguntas que se le hicieron a Paul Thomas Anderson fue si esta cinta se trataba de un trabajo personal. Como si no supiera exactamente qué responder a aquella pregunta, y al mismo tiempo dando la respuesta que probablemente la mitad de la audiencia tenia en mente, el cineasta simplemente dijo: “Pues la escribí yo.”

Anderson ha escrito todas y cada una de las películas que ha realizado, incluso aquellas basadas en fuentes literarias, haciendo de ellas objetos muy personales. Pero incluso más que en cualquiera de sus cintas anteriores, su espíritu parece permear cada aspecto de Phantom Thread. En lo que pudiera ser su producción más clásica, el filme es igual de elegante que los vestidos que vemos en pantalla, y cada detalle es tan meticuloso como su protagonista, Reynolds Woodcock (Daniel Day-Lewis en su última interpretación). En su narrativa descubrimos que la obsesión puede llevarnos a resultados maravillosos, pero también puede ser una empresa nociva para el alma. Sin embargo, Phantom Thread – en sí un resultado de la obsesión – contiene un alma ligera con un toque de humor poco convencional que la convierte en una de las películas más divertidas en la filmografía de su director. Sumadas a las increíbles actuaciones de Day-Lewis, Lesley Manville y de la debutante Vicky Krieps, estamos ante una película que fácilmente permanecerá en la memoria del espectador – o quizás en el bolsillo de su abrigo.

Gabriel and the Mountain (Gabriel e a montanha, Fellipe Gamarano Barbosa, 2017, Brasil, 127′)

Es muy raro toparse con una producción brasileña que se desarrolle fuera del territorio de aquel país. Gabriel e a montanha es un ejemplo de lo anterior. A pesar de haber sido enteramente filmada en cuatro países distintos de África, la cinta mantiene una cualidad que los brasileños lograrán reconocer, incluso dentro de su extrañeza. Esto se debe al hecho de que la identidad brasileña está compuesta en gran medida por sus lazos con el continente africano, su gente, religión y cultura.

En su segundo largometraje, el realizador Fellipe Barbosa cuenta la verdadera historia de su amigo Gabriel Buchmann, quien se aventura a recorrer el mundo antes de iniciar un doctorado en el extranjero. El filme sigue a Gabriel en su viaje por África, donde se encontrará repentinamente con la muerte. A través de lazos personales entre el cineasta y su amigo, la tenacidad de rodar las escenas en exactamente las mismas locaciones que fueron recorridas por Gabriel, y apoyándose principalmente en un reparto de actores no profesionales (que incluso conocieron e interactuaron con Gabriel), Gabriel e a montanha se siente tan cerca de la vida al grado de que en ella somos capaces de reconocer gente y situaciones fuera de nuestra realidad. Con una atención al detalle que se agradece enormemente, ésta es una película que puede alcanzar cualquier tipo de audiencia gracias a su honestidad y valentía. Gracias a la hipnótica interpretación de João Pedro Zappa, Gabriel cobra vida en la pantalla como un personaje tanto carismático como complicado que mueve la trama con gracia y agilidad. Es de esta manera que Gabriel e a montanha contribuye en la innovación del cine brasileño.

Galder de Galder

Mutafukaz (Guillaume Renard y Nishimi Shojiro, 2017, Francia, 90′)

Angelino, un huérfano a quien nadie sorprende su aspecto no-humano. Su amigo Vinz, literalmente un esqueleto llameante. Ambos dos jóvenes que malviven juntos en un piso lleno de cucarachas. Dark Meat City, una ciudad californiana ficticia de mala muerte. Una banda sonora que mezcla Hip-Hop y Reggaetón. Unos misteriosos agentes secretos/súper soldados que persiguen a Angelino y Vinz a toda costa. Una película de animación. Suena tan absurdo que le brillan a uno los ojos como platos.

Ésta es la apuesta de la producción franco-japonesa Mutafukaz. Uno de sus directores, Nishimi Shojiro, trabajó en la animación del filme de culto Akira (Katsuhiro Ôtomo, 1988). Para mí, Mutafukaz es la película más sorprendente que he visto en los últimos años junto a la española Psiconautas (Pedro Rivero y Alberto Vázquez, 2015, también producida por Studio 4ºC). Dos cintas de animación para adultos, una categoría poco familiar para el cine producido en cualquiera de los dos lados del Atlántico. ¿Casualidad? Ambas utilizan las ilimitadas posibilidades de la animación para contar historias de una originalidad difícil de encontrar en las ‘carne y hueso’.

Mutafukaz le muestra el dedo de en medio a las convenciones cinematográficas y narrativas apoyándose en un humor despreocupado, referencias culturales con falta de complejos, acción sin pelos en la lengua, cero consideración por el dios ‘realismo’, e invasiones del comic y del videojuego a su estética. Todo esto atravesado por un mordaz puñetazo social y político a múltiples órganos vitales de nuestra actualidad. La película no es perfecta: la segunda mitad resbala (particularmente considerando una decepcionante representación femenina) y llega hasta el final solo gracias al impulso de la salvaje energía de su primera mitad. A pesar de ello, Mutafukaz rebosa tanta pasión y se divierte tanto contándose a sí misma, que solo queda salir del cine con una sonrisa en la cara, deseando volver a los beats de Dark Meat City.

The Guilty (Den skyldige, Gustav Möller, 2018, Dinamarca, 85′)

Las películas que se desarrollan dentro de una sola habitación no son ninguna novedad; ya las han hecho Alfred Hitchcock con Rope (1948) y Sidney Lumet con 12 Angry Men (1957). Entonces, ¿qué tiene de especial la película Den skyldige para hacerla ganar el premio del público en la 47º edición del Festival Internacional de Cine de Rotterdam?

Lumet e Hitchock decidieron desplegar el virtuosismo de la palabra o de la cámara para compensar la restricción de una sola habitación. En cambio, esta película dirigida por Gustav Möller se niega a aceptar que mostrar una sola habitación implique solo ver esa habitación, y entiende suficiente de cine como para saber hacerlo. Así, sin espectacular innovación, Den skyldige revoluciona nuestra experiencia cinematográfica retrayéndose al elemento más básico y muchas veces ignorado del cine moderno: el sonido.

Estaremos pensando ahora en diálogos magníficos y bandas sonoras favoritas, pero Den skyldige hace de su protagonista el paria de los parias, el mayor sujeta velas de esa cita romántica entre imagen y espectador: los efectos de sonido. Aquellos que señalan que está lloviendo; que la persona que habla lo hace desde un coche en movimiento; que una puerta se abre. Así, sin nunca mostrarnos en la pantalla esos eventos, Den skyldige nos los hace ver. Pues, esta vez, la cita no se desarrolla en el lienzo de la pantalla, sino dentro de nuestras propias cabezas. Al ritmo de un trepidante vals auditivo donde intentamos comprender, visualizando internamente unas imágenes que no nos son mostradas, qué es lo que está sucediendo al otro lado de una llamada telefónica al servicio de emergencias.

Club de Cuervos; la (efectiva) telenovela de Netflix

Jose Hernández: @josechj7

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Como a muchos, me habían recomendado esta serie desde hace ya algunos meses. Por una u otra razón no había hecho caso a dicha sugerencia; quizá por el leve escepticismo malinchista que puede aún estar en mí tras años de bombardeo mediático, quizá el elenco no llamó lo suficiente mi atención o sólo no era el momento para verla. Hace un mes decidí darle una oportunidad a esta serie original de Netflix, movido por mi gusto hacia el fútbol (y también porque no tenía mucho que hacer en el momento). Desde el primer contacto me sentí abrumado por el acento marcado que emplean los protagonistas y por la similitud que encontré con las telenovelas, lo que resultó en que perdiera total interés en la serie sin siquiera terminar el piloto. Semanas después decidí darle una segunda oportunidad. Tras 5 días, había terminado las 2 temporadas que hasta el momento están disponibles en la plataforma digital.

La historia de Club de Cuervos (2015-) no es nada nuevo. Un exitoso empresario y figura pública muere dejando su empresa a sus hijos pero en este caso se trata de un club de fútbol de primera división en la liga mexicana. Como mencioné antes, el football es lo que llamó mi atención y precisamente es lo que agrega algo de vida a lo largo de los 45 minutos que dura cada capítulo. Al empezar a ver la serie, tomaba como ejemplo otras producciones que he visto sobre el tema, como Super Campeones (Kyaputen Tsubasa, 1983-1986), las películas Goal! (2005) y Goal II: Living the Dream (2007), y aunque de diferente género pero mismo tema, documentales como The Class of ’92 (2013) y Becoming Zlatan (2016). Aunque vi toda la serie en menos de una semana, debo admitir que me decepcionó el que Club de Cuervos tenga de football sólo la portada.

En ciertos episodios tratan temas como la falta de disciplina en la institución, el tener que lidiar con la prensa desde la perspectiva de un club, la casi esclavitud que hay detrás del deporte e incluso las preferencias sexuales que en muchos casos los jugadores se ven obligados a ocultar. Todos temas muy interesantes y muy explotables en cuanto a narrativa, pero que tan pronto llegan a la serie son tratados de una forma infantil (culpa han de tener los protagonistas) o simplemente no se les trata con la debida relevancia que podrían aprovechar. A pesar de haber tocado estos aspectos que, en lo personal, me hubiese gustado ver propiamente desarrollados, Club de Cuervos no es un mal producto después todo. Que sí, llega a parecer telenovela; que sí, los personajes pueden llegar a ser infantiles; que sí, se introducen temas “actuales” relacionados con fútbol (tratados como si se tratara de un chisme). Pero al final creo entender el porqué de todo ello. Si no has visto esta serie, no esperes que tenga fondo como Better Call Saul (2015-), no esperes una narrativa como la de Stranger Things (2016-) o un guión como el de Breaking Bad (2008-2013). Club de Cuervos es la telenovela de Netflix y, como tal, he de decir que es una muy buena.

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Lo que destacó para mi: las actuaciones de Luis Gerardo Méndez y Mariana Treviño, que reflejan muy bien la personalidad de sus personajes Chava e Isabel Iglesias. La serie tiene buena calidad de producción (sin tomar en cuenta las secuencias en el campo) y en lo particular recomiendo mucho el episodio 3 de la segunda temporada ¿A quién estás buscando?, en el que Chava se encuentra lidiando con una crisis de identidad en una fiesta en Acapulco, bajo los efectos de las drogas.

En enero empezó la filmación de la 3ra temporada de Club de Cuervos y será este mismo año cuando veremos si la serie puede mantenerse sobre algo más que un berrinche entre dos hermanos.

Podcast de cine: los que tienes qué conocer

Jorge Durán: @JEDZ1138

La época en que vivimos nos permite saciar nuestra sed por conocimiento de una forma más dinámica que antes. Cuando se trata de cine, el material en la red es infinito con Rotten TomatoesIMDb e incluso Wikipedia siendo los primeros sitios a los que acude cualquier interesado en búsqueda de información inmediata. Los blogs especializados en hablar y comentar acerca de cine son cada vez más. Tratar de seguir el paso con las noticias o con los artículos relacionados a una película en específico puede ser una tarea difícil. Los podcast se han convertido, poco a poco, en una excelente alternativa para digerir conocimiento e información enfocado en el séptimo arte. El podcast es un medio que puede consumirse de manera mucho más versátil que los textos o el video, lo que ha ayudado a su crecimiento en la última década. Pero, ¿qué podcasts escuchar cuando se trata de cine?, ¿por dónde empezar?. Esas preguntas fueron las que yo me formulé hace varios años. Y después de más de una década de escuchar contenido, es momento de compartir una breve lista que ayudará a muchos a comenzar en el terreno de los podcasts de cine.

No hay mejor aportación que un fanático de cine pueda hacer que compartir información. Compartir conocimiento siempre será la mejor herencia que uno pueda dejar. Es por eso que he decido realizar esta lista concentrando podcasts de cine, una guía que puede ser el primer paso para muchos y complemento para los conocimientos de otros . Es es una pequeña aportación que mezcla un contenido diverso: entrevistas, conversaciones, análisis, crítica, teoría de cine; la lista podría seguir y seguir, pero mejor escúchenlo por ustedes mismos:

NOTA: La lista presenta podcasts en inglés, salvo uno (que está en español). El contenido fue el factor decisivo para incluir cada podcast en esta lista. Todos los podcasts presentados pueden disfrutarse via iTunes de manera gratuita.

The Empire Film Podcast

Empire es una de las mejores revistas especializadas en cine y me atrevería a considerarla la mejor. El contenido de Empire siempre es referido en la mayoría de los blogs de cine. Por 27 años la revista inglesa a mantenido una calidad y un criterio característico en cada edición. Sus reseñas son excepcionales, sus exclusivas, sus listas y su contenido son esperados por cada lector, mes con mes. Simplemente no hay otra revista como Empire. Cualquier amante del cine debe tener una edición de Empire en su biblioteca. Y cualquier amante del cine debe tener, por lo menos, un capítulo del Empire Film Podcast en su playlist. Este podcast nació como una extensión de la revista y se ha sostenido gracias a su contenido de primer nivel, al presentar entrevistas y conversaciones con los realizadores y artistas dentro del medio: directores, escritores, productores y actores; The Empire Film Podcast tiene contacto directo con todos. Semanalmente podrán encontrar contenido actualizado. Chris Hewitt y compañía mantienen viva la conversación, ofreciendo comentarios atinados. Continuamente encontraran capítulos enfocados en “spoilers”, diálogos con directores como Gareth Edwards (Rogue One – A Star Wars Story, 2016) o Robert Zemeckis (Back To The Future, 1985). Además, la edición digital de la revista también ofrece contacto directo con el podcast.

empire

/Filmcast

Si Empire es una de las mejores revistas de cine, entonces /Film (Slashfilm) debe ser uno de los mejores blogs de cine. El podcast de /Film se caracteriza por sus conductores: David Chen, Devindra Hardawar y Jeff Cannata, juntos hacen una química única y cada uno disfruta platicar de cine. Si tuviera que elegir un podcast para escuchar en una isla desierta sería el /Filmcast, definitivo. Por casi 10 años he escuchado de manera semanal este podcast y la calidad es una constante. Sus listas con lo mejor del año son los capítulos más escuchados y los más descargados. El podcast está construido con diversos segmentos donde se abarca: las noticias más importantes de la semana, una sugerencia por parte de los anfitriones (cine, TV, libros, video juegos, etc.) y una crítica a fondo de una cinta en específico. Los capítulos pueden variar en duración, desde una hora hasta más de dos, aproximadamente. Los podcasts no tienen los límites que la radio impone, así que ¿por que frenarse? Aquí la edición es mínima, ya que se saca jugo de cada minuto al aire. David Chen y compañía confían totalmente en su contenido, además de entender el medio en el que transmiten. Este trío sabe que todos los tópicos deben ponerse sobre la mesa; por algo este es uno de los podcasts de mayor vida, además de sostenerse como uno de los más descargados en la categoría “Film & TV” dentro de iTunes. Si quieren pasar un buen rato mientras trabajan o mientras transitan por la ciudad, /Filmcast es la opción.

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The Q&A with Jeff Goldsmith

Jeff Goldsmith se ha caracterizado por ofrecer un espacio donde los creadores y los fanáticos se cruzan. Como el título del podcast lo indica, The Q&A with Jeff Goldsmith es una sesión de preguntas y respuestas conducido por Goldsmith. Cada capítulo se enfoca en el realizador de una cinta en particular, puede ser un director, un escritor, una mancuerna de escritores, etc. Goldsmith realiza las preguntas que todo fanático se formula al momento de ver una cinta. Este podcast es el complemento perfecto para escuchar después de ver una película. Cada capitulo puede describirse como una “Masterclass”. Si desean conocer notas más detalladas de cómo se concibió un proyecto o cómo se realiza el desarrollo de un guión de una cinta en particular, este es lugar donde encontrarán información. El contenido de este podcast es de primera categoría y ha impulsado a Goldsmith a desarrollar la revista digital Backstory Magazine (también muy recomendable), un espacio para aquellos que quieren conocer un poco más dentro del mundo del cine.

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The Nerdist Podcast

Quizás hayan escuchado el nombre de Chris Hardwick antes. Cómo conductor de diversos paneles en la Comic-Con de San Diego cada año o como conductor de los programas de TV especializados: Talking Bad y Talking Dead, derivados de las series Breaking Bad (2008-2013) y The Walking Dead (2010-). A través de Nerdist Industries, Hardwick se ha convertido en la voz de toda una generación de fanáticos y de gente apasionada por diversos géneros. Hardwick es una persona muy dinámica y ha aprovechado las oportunidades que se le han presentado como resultado de su trabajo. Es así como tenemos el Nerdist Podcast. Un podcast donde, en cada capítulo, Harwick conversa con gente de diversos medios: Cine, TV, música, cómics, etc. Harwick logra un ambiente amigable y divertido donde cada invitado puede sentirse cómodo y conversar sin restricciones. Algunos de los invitados van desde Quentin Tarantino y Tom Cruise hasta Guillermo del Toro y Keanu Reeves, pasando por realizadores como el aclamado escritor de cómics Paul Dini y el mismo Mark Hamill. La clave de este podcast es la constancia y la calidad de los invitados y por supuesto su conductor. Podrán encontrar una variedad de capítulos semanalmente.

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IndieWire: Screen Talk

Todo conocedor pasa por IndieWire por lo menos una vez al día. Es un sitio que ha equilibrado un contenido diverso para los amantes del cine. Sus análisis y sus críticas son las más citadas en la red. Continuamente encontrarán referencias de IndieWire en las portadas de algunos DVD’s/Blu-Ray’s o en algunos pósters antes de entrar a la sala de cine. Lo que convierte a IndieWire en un referente de calidad es su staff, el cual se ha unido para crear el podcast IndieWire: Screen Talk. Este es un podcast relativamente joven, pero en poco tiempo se ha catapultado para posicionarse como uno de los mejores para todos aquellos que quieren conocer las entrañas de la industria. Aquí encontrarán comentarios y un análisis denso acerca de la realización de distintos proyectos, los festivales más importantes del año y las ceremonias de premiación más destacadas. Eric Kohn, Jefe de Crítica Cinematográfica y Senior Editor dentro de IndieWire y Anne Thompson, Editor at Large, también dentro del mismo blog (además de ser la fundadora del blog Thompson on Hollywood) comparten cada semana una conversación donde se tocan tópicos diversos y relevantes con la opinion y el conocimiento de años de experiencia. Este es uno de los podcast más especializados que podrán encontrar y uno con el contenido más específico que escucharán. Si desean conocer el “por qué” y el “cómo” dentro del mundo del cine independiente y los componentes del cine mainstream, aquí encontrarán las respuestas.

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CinemaNET

CinemaNET es un proyecto multimediático mexicano que se enfoca en la cobertura, crítica y reseña cinematográfica fundado en 2005. Podemos encontrar sus comentarios en televisión (Efecto TV) y en radio (Radio Capital), pero es realmente su programa por lo que CinemaNET destaca. En él, Charlie Del Río, Roberto Ortíz y Paulina Villavicencio se juntan cada semana para traernos un detallado resumen de la cartelera de cine, decantándose en recomendaciones, análisis, referencias y más información que ayuda a sus seguidores a resolver el típico dilema cinéfilo de “¿Qué ver este fin de semana?”. Además, el podcast cuenta con episodios especiales donde directores, productores, actores y guionistas de lo mejor del cine mexicano platican de sus últimos proyectos y sus experiencias al realizarlos. Con más de 800 episodios, CinemaNET se corona como el podcast mexicano de cine más longevo, vigente y constante del medio.

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Esta lista presenta cientos de horas de contenido y es un buen comienzo para aquellos que desean conocer mucho más del mundo del cine y la industria que lo construye. Espero sirva de apoyo si es que desean una alternativa nueva y diferente a lo habitual

10 proyectos cinematográficos que esperamos este 2017

Jorge Durán: @JEDZ1138

A pesar de todo el caos y la incertidumbre que este nuevo año pueda representar, siempre hay una constante que nos llena de esperanza: el cine. Este 2017 presenta proyectos muy prometedores y que han llamado nuestra atención desde su primer anuncio. Estar preparados y seguir cada noticia, trailer o TV spot es parte de la experiencia de vivir una película. Queremos compartir esta lista con los proyectos cinematográficos que consideramos dignos de nuestra atención. Algunas cintas serán un éxito de taquilla, otras no. Algunas serán parte de “lo mejor del 2017”, otras serán enterradas con comentarios de fanáticos y/o críticos, pero ninguna será olvidada. La intención de esta lista es disfrutar y emocionarnos por todo lo que el cine tiene para ofrecernos. Esta lista se presenta en orden alfabético.

Baby Driver

Han Pasado cuatro años desde el último largometraje como director de Edgar Wright: The World’s End (2013). Hemos sido privados por varios años del trabajo de un director tan creativo, dinámico e imaginativo como lo es Wright, pero este año todo cambia con Baby Driver. El director de la “Trilogía Cornetto” y de Scott Pilgrim vs The World (2010) nos entregará una historia como sólo él sabe hacerlo: Después de ser obligado a trabajar para un jefe del crimen, un joven conductor de escapes se encuentra participando en un robo condenado al fracaso. Fecha de estreno: 11 de agosto (EE.UU.).

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Blade Runner 2049

Todos somos cautelosos al escuchar la palabra “secuela” pero cuando llega un proyecto que continuará una de las mejores películas de ciencia ficción en la historia del cine y cuando sabemos el proyecto será dirigido por Denis Villeneuve –  justo después de haber entregado una cinta con la calidad de Arrival (2016) – involucrando a visionarios como Roger Deakins y Ridley Scott detrás de la lente y a leyendas como Harrison Ford, reviviendo uno sus mas importantes papeles, junto a una nueva generación de talentos como Ryan Gosling, entonces nuestra duda se traduce en expectativa y en un interés extremo. Fecha de estreno: 6 de octubre (EE.UU.).

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Dunkirk

Desde diciembre de 2015, en IV Acto,  hemos cubierto con gran extensión el próximo proyecto de Christopher Nolan y recientemente tuvimos la oportunidad de experimentar un fragmento del material en IMAX, previo a la proyección de Rogue One – A Star Wars Story (2016). Todo parece prometedor: Una historia épica y un director con una carrera impecable que nos ha entregado grandes satisfacciones. Dunkirk, será un drama de la Segunda Guerra Mundial y narrará la evacuación de la ciudad francesa Dunkirk (ó Dunkerque) en el verano de 1940. Esta acción, mejor conocida como “Operation Dynamo”, fue una operación conducida por la Fuerza Expedicionaria Británica y permitió el rescate y la salvación de más de 300,000 vidas Aliadas. Fecha de estreno: 27 de julio.

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Free Fire

Con cintas como Kill List (2011) y High Rise (2015) en su filmografía, el director inglés Ben Wheatley se ha ubicado con rapidez en la mirada de la industria. Wheatley cuenta con una peculiar visión que ha encontrado un seguimiento de culto por parte de fanáticos y Free Fire continua con esa tendencia mezclando crimen y comedia. Dos bandas de criminales quedarán atrapados en el fuego cruzado en una compra de armas que sale mal, es todo lo que necesitamos saber. Las reseñas del Toronto International Film Festival han aclamado la cinta como “explosiva” y “entretenida” y con un cast que incluye a Brie Larson, Armie Hammer, Jack Reynor y Cillian Murphy sólo podemos contar los días para experimentar Free FireFecha de estreno: 17 de marzo (EE.UU.).

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John Wick: Chapter 2

John Wick (2014) demostró ser una grata sorpresa en el Fantastic Fest de Austin, TX. Cualquiera que haya tenido la oportunidad de experimentar esta cinta en la pantalla grande sabe a lo que me refiero. Un nivel de acción diseñado con detalle y una historia construida en una subcultura llena de misterio es la base en la que los directores Chad Stahelski y David Leitch presentaron la primera pieza del rompecabezas en el 2014. Con John Wick: Chapter 2 se extiende la mitología y los desafíos se elevan para crear una continuación digna de su antecesora. Fecha de estreno: 24 de febrero (México).

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Guardians of the Galaxy, Vol.2

En Guardians of the Galaxy (2014), James Gunn le dio un giro fresco al Universo Cinematográfico Marvel al presentarnos un guión lleno de humor y con personajes sobresalientes en una historia que se aleja de todos los convencionalismos que Marvel Studios había presentado a la fecha. Si algo podemos concluir del material presentado en la Comic-Con 2016 es que nos espera un viaje como nunca antes visto y lleno de aventura con Guardians of the Galaxy, Vol.2. Gunn tiene toda nuestra confianza. Fecha de estreno: 5 de mayo.

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Molly’s Game

Aaron Sorkin es uno de los mejores guionistas cuyo trabajo ha influenciado los últimos veinte años. Con trabajos como A Few Good Men (1992), The Social Network (2010) y Moneyball (2011), sin mencionar su aportación en el terreno de la TV con proyectos como The West Wing y The Newsroom. Sorkin es todo un maestro para desarrollar personajes e historias complejas con una naturalidad que pocos escritores pueden lograr. Molly’s Game representa su primera oportunidad como director y no podemos estar más emocionados. La historia involucra a la ex-atleta Molly Bloom (Jessica Chastain) quien se convierte en el foco de atención para el FBI después de organizar y operar una red internacional de poker. Esta es una cinta que amerita estar en el radar. Fecha de estreno: Por Confirmar.

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Spider-Man: Homecoming

Uno de los momentos mas memorables en Captain America: Civil War (2016) fue la introducción de Peter Parker a.k.a. Spider-Man. Tom Holland demostró que tiene la habilidad, el talento y el carisma para encarnar un personaje icónico y al mismo tiempo sostener una producción digna de Marvel Studios. Spider-Man: Homecoming representa la primera oportunidad de Sony Pictures de unir fuerzas con Marvel Studios para crear una adaptación de uno de los personajes más populares, no sólo dentro de Marvel, pero de la cultura pop. A Tom Holland se le unirá Robert Downey Jr. y, regresando al género de superhéroes, Micheal Keaton. Fecha de estreno: 7 de julio.

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Star Wars – Episode VIII: The Last Jedi

Aunque no hemos visto una sola pieza de material y la información acerca de esta historia es escasa, estamos hablando de STAR WARS y de un nuevo episodio en una de las sagas más grandes en la historia del cine, creo que no hace falta justificar nuestra emoción. Pero si a lo anterior sumamos la presencia de Rian Johnson en la silla de director la expectativa se eleva. Hablamos del director que nos entrego impecables producciones: Brick (2005), Brothers Bloom (2008) y Looper (2012), sin mencionar su aportación en series de TV como Breaking Bad. Star Wars – Episode VIII: The Last Jedi se encuentra en muy buenas manos. Fecha de estreno: 15 de diciembre.

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Thor: Ragnarok

Hunt for the Wilderpeople (2016) entró en mi Top 10 de lo mejor del año pasado. El director Taika Waititi tiene una sensibilidad única y sabe utilizar al máximo los recursos que a su disposición para saber contar una historia. En el “mockumentary” de vampiros What We Do In The Shadows (2014), Waititi logra equilibrar la comedia, el horror y la fantasía con gran éxito. Este director sabe contar una historia con emoción y estilo. Por todo lo anterior, fue una grata sorpresa que Waititi sea el director de otra nueva producción de Marvel Studios, Thor: Ragnarok. La historia tomará elementos narrativos de Planet Hulk y cuenta con un cast de primer nivel al integrar a Cate Blanchett, Karl Urban, Tessa Thompson y Jeff Goldblum con la trifecta de Chris Hemsworth, Mark Buffalo y Benedict Cumberbatch… y por supuesto Tom Hiddleston. Fecha de Estreno: 3 de noviembre.

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Mención Honorífica:

Es difícil elegir entre una galería de producciones y limitarla a 10 lugares, siempre es el mismo predicamento. Esta lista es una opinión personal y sólo busca generar una visión de lo que nos espera durante este año. Hay muchas cintas que merecen estar en la mira y existen diferentes proyectos que merecen total reconocimiento, por eso no podemos despedirnos sin mencionar 5 cintas que destacarán en un nivel u otro dentro de este año:

War of The Planet Of The Apes (Dir. Matt Reeves)

Kong: Skull Island (Dir. Jordan Vogt-Roberts)

Logan (Dir. Jame Mangold)

The Dark Tower (Dir. Nikolaj Arcel)

Logan Lucky (Dir. Steven Soderbergh)

Top 10 del año: lo mejor de cine y TV en 2016

Se nos fue el 2016 con todo y sus tragedias, pero también con su cine que, como suele pasar todos los años, nos arroja una que otra joyita digna de ser recordada. Desafortunadamente para esta ocasión, nos faltó ver muchísimas de las grandes películas de este año, esas que se han hecho con los premios, aplausos y grandes elogios al rededor del mundo. Entre las que nos hubiera encantado ver y comentar en IV ACTO, están Moonlight (Barry Jenkins), Silence (Martin Scorsese), The Handmaiden (Chan-wook Park), La Tortue rouge (Michaël Dudok de Wit), I, Daniel Blake (Ken Loach), Everybody Wants Some!! (Richard Linklater), The Fits (Anne Rose Holmer),  Certain Women (Kelly Reichardt), Paterson (Jim Jarmusch), O.J.: Made in America (Ezra Edelman), entre muchas otras.

A pesar de que algunos supongan el declive e inminente muerte del séptimo arte frente al auge de la televisión y los diferentes formatos caseros, en IV ACTO nos sentimos muy entusiasmados con muchas de las películas que este año nos ofreció, y esperamos con muchas ansias varias de las producciones que el 2017 aguarda. Sin más por añadir, les compartimos a continuación nuestro Top 10 de 2016.

1. La La Land, Damien Chazelle

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En mi opinión, el tercer largometraje de Damien Chazelle no sólo es la mejor película que se presentó en Morelia, sino que posiblemente sea la mejor de este año. La La Land es una producción musical de grandes proporciones y una carta de amor a Hollywood al mismo tiempo. El cinefotógrafo Linus Sandgren hace magia de las secuencias musicales, la música de Justin Hurwitz homenajea a este género simbólico de la época de oro de Hollywood (sin caer en el cliché) y la trágica y dulce química entre Ryan Gosling y Emma Stone rompe los corazones de los espectadores. Sin embargo, el ingrediente secreto en el éxito de La La Land es el mismo sujeto responsable del proyecto; si Damien Chazelle demostró tener bastante talento como realizador con Whiplash (2014), en esta ocasión demuestra ser un prodigio del séptimo arte. Los últimos 20 minutos son de gran fuerza cinemática; Chazelle nos apuñala de frente y nos desgarra las fibras más sensible de una manera espectacular. Estamos delante de uno de los mejores realizadores de la meca hollywoodense actual.

[Del texto: FICM 2016, de David Azar]

2. Arrival, Denis Villeneuve

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Es por todo lo anterior que una cinta como Arrival (2016) llegó en un momento más relevante que nunca. Denis Villeneuve (Incendies, 2010; Sicario, 2015) ha creado una pieza de ciencia ficción que se separa de las típicas tendencias del género de “invasión extraterrestre” y ofrece una alternativa llena de esperanza. Las bases de Arrival se cimientan en el amor de una madre, trascendiendo el tiempo y el espacio. El discurso de Villeneuve es excepcional, sutil pero directo al mismo tiempo. Y eso es lo magnífico de Arrival; la cinta logra establecer lo que la ciencia ficción sabe expresar mejor que cualquier otro género: enfatizar un comentario social a través de un concepto imaginativo. Un mundo dividido donde la inseguridad reina y la unidad entre naciones es prácticamente imposible es toda una realidad, pero Villeneuve demuestra que la búsqueda por el bien común también es una cualidad inherente en la humanidad. La clave está en la comunicación.

[Del texto: Arrival, de Jorge Durán]

3. The WitchRobert Eggers

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Desde los primeros diez minutos de metraje, Eggers nos deja muy claro hacia dónde va la cosa; The Witch es cruda, visceral y penetrante. Por su parte, la trama se teje inteligentemente y de manera muy sutil, incrementando la tensión y el terror de la atmósfera una vez llegados al tercer acto de la película. El gran trabajo de investigación para la caracterización del lugar y los personajes fue el eje central en el desarrollo The Witch, una de las cintas de terror más refrescantes de lo que lleva el siglo. Eggers no sólo demuestra que el género sigue vivo, sino que lo puso a flor de piel.

4. Manchester by the Sea, Kenneth Lonergan

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Kenneth Lonergan, quien anteriormente había escrito los guiones de Analyze This (1999) y Gangs of New York (2002), trajo una de las mejores películas al festival con Manchester by the Sea. Se trata de un drama acerca del duelo y la soledad, que si bien cumplió con una pizca de un comic relief muy natural en ciertas escenas, se consolida como un gran ejercicio melancólico. Lonergan apoya eficazmente esta fuerza dramática en Casey Affleck, de quien muy probablemente veamos una nominación a Mejor Actor. La música de Lesley Barber complementa la sutil pero poderosa atmósfera melancólica de la película, mientras que el guión, escrito por el mismo Lonergan, se encarga de sacar lo mejor de un Affleck emocionalmente irreparable. Manchester by the Sea es comida para la Academia; tiene todo lo necesario para postularse como una de las preferidas en los Oscar.

[Del texto: FICM 2016, de David Azar]

5. Zootopia, Byron Howard & Rich Moore

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Lo decimos una vez más: hemos de romper el paradigma de la animación como medio exclusivo para niños. Zootopia es el reflejo de varios tropiezos típicos que se entrometen en el progreso de una sociedad cualquiera. Por medio de divertidas ocurrencias, Byron Howard y Rich Moore construyen una urbe haciendo énfasis en los pequeños detalles, deleitándonos con su inmensidad, sus riesgos, peligros y entrañables personajes. Sin lugar a dudas, Zootopia llega como una de las mejores historias proyectadas en la pantalla grande durante este año

6. Toni Erdmann, Maren Ade

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Todos los años en el Festival de Cannes hay una película que enamora a la mayor parte de los críticos al grado de convertirla en el prospecto para llevarse la Palma de oro, pero termina siendo ignorada por completo en las premiaciones. Este año, esa película fue la genial Toni Erdmann de Maren Ade. La cinta sigue la intensa relación padre e hija de Winfried, un hombre mayor y muy solitario que tiene una extraña afición por las bromas, e Ines, una consultora en negocios que no vive más que para su trabajo. Partiendo de una premisa sencilla, Maren Ade nos lleva a un espiral de situaciones bizarras e irritantes y bromas que van demasiado lejos entre estos dos personajes. La realizadora alemana logra contarnos una historia extraordinaria desde el concepto ordinario del amor paternal. La película también es un viaje introspectivo de Ines, quien entre tanto trabajo se ha convertido en una autómata, sin tiempo para dedicar a su familia. Las actuaciones de Peter Simonischek y Sandra Hüller, junto con el excelente guión de Ade, son el motor de esta divertida y original película.

[Del texto: FICM 2016, de David Azar]

7. The Nice Guys, Shane Black

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Un diálogo astuto (escrito por el mismo Black), personajes coloridos, acción inverosímil y una química excepcional entre Gosling y Crowe son el sello distintivo que caracteriza el trabajo de Shane Black. Después de dirigir un mega-bluckbuster de la talla de Iron-Man 3 (2005), es refrescante ver a Black regresar a un concepto comparable con su opera prima Kiss Kiss Bang Bang (2013), al incorporar una pareja disfuncional en una situación fuera de control. Sólo Black es capaz de desarrollar e incorporar un personaje “infantil” en un mundo adulto sin caer en lo precoz. Hemos presenciado un verano con escasas sorpresas y cargado de masivas super-producciones, The Nice Guys se posicionó como una excelente alternativa y una sólida experiencia que merece ser vista en la pantalla grande. Esperemos que así lo hayan hecho.

[Del texto: The Nice Guys, de Jorge Durán]

8. 10 Cloverfield Lane, Dan Trachtenberg

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Si existe una película que brilló y nos brindó grandes satisfacciones en este sombrío 2016 tuvo que ser 10 Cloverfield Lane. No sólo nos otorgó una de las mejores actuaciones del año por parte de John Goodman (apoyado por la talentosa Mary Elizabeth Winstead), también nos presentó uno de los mejores debuts dentro de la industria con Dan Trachtenberg, un total virtuoso que hay que seguir en próximos proyectos. Con un afilado e inteligente guión por parte de Josh Campbell, Matthew Stuecken y Damien Chazelle (quien ha tenido un increíble año con La, La, Land) los giros y la tensión construyen un memorable thriller. La producción fue un total misterio hasta la presentación del primer trailer unas semanas antes del estreno, cortesía de Bad Robot de J.J. Abrams. 10 Cloverfield Lane ha servido para cimentar el universo “Cloverfield” manteniendo una identidad propia que la posiciona como una sólida entrada dentro de lo mejor de 2016.

9. Rogue One: A Star Wars Story, Gareth Edwards

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Al final, Rogue One representa un historia llena de aventura, desarrollando conceptos como “esperanza” y “rebelión” con una vibra que sólo el universo creado por Lucas puede entregar. Si bien el desarrollo de algunos personajes podría interpretarse limitado, las acciones y decisiones que los conducen son interesantes, llenas de matices, que benefician una narrativa mayor y que se enfoca en el sacrifico y en la redención. Rogue One es una pieza que complacerá a aquellos en busca de una nueva historia de Star Wars.

[Del texto: Rogue One]

10. Sing Street, John Carney

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Sing Street nos lleva por el camino de un adolescente descubriendo su identidad por medio de la música. También nos narra una historia de amor entre dos personas, así como al arte y a todo lo que en esencia representa el Rock n Roll. El crecimiento del protagonista está bien definido por los conflictos que el guión determina y también por las diferentes etapas y géneros musicales por las cuales su banda transita. El estilo musical de Conor inicia con un sonido ochentero, haciendo uso de sintetizadores, pero toma rutas diferentes a lo largo del filme de acuerdo a las situaciones sentimentales del personaje. El variado soundtrack cuenta con temas de Duran Duran, The Cure y Motörhead, entre otros, al igual que con ocho canciones originales.

[Del texto: Sing Street, de Jose Hernández]

Para complementar la lista, y tocando nuevamente el tema de la televisión y su imprescindible popularidad en los últimos años, les compartimos también nuestro Top 10 de lo mejor de TV en 2016, seleccionado por nuestro colaborador Jorge Durán:

1. Game of Thrones – Ep. “The Winds of Winter”
2. The People v. O.J. Simpson – Ep. “Marcia, Marcia, Marcia”
3. Westworld – Ep. “The Bicameral Mind”
4. Black Mirror – Ep. “San Junipero”
5. Stranger Things – Ep. “Chapter One: The Vanishing of Will”
6. Veep – Ep. “Kissing Your Sister”
7. Silicon Valley – Ep. “Bachmanity Insanity”
8. The X Files – Ep. “Mulder and Scully Meet the Were-Monster”
9. Arrow/The Flash/Legends of Tomorrow – Ep. “Invasion!” 
10. Last Week Tonight with John Oliver – Ep. “The Wall”

Diez actores que harían un gran Dumbledore joven en la saga ‘Fantastic Beasts’

Ramón Treviño: @RamonTrevinoF

El mundo mágico de Harry Potter sigue en aumento y personajes con los que crecimos regresan a las salas de cine para encantarnos una vez más. Albus Percival Wulfric Brian Dumbledore, uno de los magos más poderosos en el universo creado por la británica J.K. Rowling, será parte de los protagonistas en las nuevas entregas de las películas de Fantastic Beasts, y en IV Acto estamos muy interesados sobre quién podría ser el nuevo actor que llene los zapatos que alguna vez usaron Richard Harris y Michael Gambon.

[SPOILERS]

A continuación, tocaremos puntos de la primera entrega de Fantastic Beasts and Where to Find Them que pueden contener spoilers, por lo que recomendamos haber visto la película antes de seguir leyendo. Entonces, analizaremos qué características tiene Dumbledore en la época de Newt Scamander.

El gran mago todavía no es el director de Hogwarts que todos conocemos. En ese entonces, Dumbledore era profesor en Transfiguración y le impartió clases a Scamander.

Primero que nada el actor tiene que ser originario de Gran Bretaña. En la década de 1920, el mago tendría aproximadamente 40 años. Tiene prácticamente la edad de Gellert Grindelwald. El villano revelado al final de la cinta es interpretado por Johnny Depp, quien tiene 53 años de edad; no creemos que en el casting de Dumbledore busquen a un artista mayor a los 50. Los actores elegidos son mayores a los 30 años y menores de 50. Todos ya estamos familiarizados con la relación de estos dos magos, entonces es importante que los actores desarrollen química. Ahora sí, a continuación, los 10 nombres que podrían darle nueva vida al joven Albus Dumbledore.

10. Charlie Cox

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El primer nombre de nuestra lista es más conocido por su trabajo en la serie de Netflix Daredevil (2015-), donde bridó vida al “Hombre sin miedo”. Charlie Cox, sin duda, sería una apuesta interesante para la franquicia de Rowling, pues es un actor capaz de bridarle a Albus Dumbledore un corazón noble pero con mucho coraje. Nacido en Londres, Cox tuvo su estrenó en una película de alto presupuesto en Stardust (2007), donde interpretó al joven Tristan Thorn en su viaje para encontrar una estrella caída. El proyecto no fue bien recibido en taquilla y el artista regresó a la televisión en programas como Boardwalk Empire (2010-2014) para retomar nombre y fue así que consiguió el papel del vigilante ciego.

9. Dan Stevens

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Salió a la fama gracias al éxito televisivo Downton Abbey (2010-2015), donde conquistó miles de corazones interpretando a Matthew Crawley. Los ojos azul cristalino de Dan Stevens empatan a al perfección con la descripción de J.K. Rowling . El actor ha mantenido un perfil  bajo desde su salida de la serie británica, mas aparecerá como la Bestia en marzo de 2017, en la versión live action del clásico de Walt Disney Studios, Beauty and the Beast. Por otro lado, en febrero podremos verlo en Legion, una serie ubicada en el universo de X-Men. El inglés tendrá un 2017 lleno de proyectos que lo pondrán más cerca en el mapa de Hollywood.

8. Richard Armitage

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Conocido por participar en las trilogías de The Hobbit (2012-2014), Richard Amitage entregó mucha personalidad en los momentos más duros para el personaje de Thorin. Una ventaja del actor es que es el menos conocido de los artistas en la lista, asunto que, en ocasiones, le interesa a los productores: dar a conocer una nueva cara. El inglés ha recibido halagos por su interpretación de Francis Dolarhyde en la serie Hannibal (2013-2015). La elección de Armitage sería la primera conexión de actores entre Harry Potter y The Lord of the Rings.

7. Charlie Hunnam

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La idea de ver a un Albus Dumbledore fuerte y con un toque de agresividad fue parte de la interpretación de Michael Gambon, quien interpretó al director de Hogwarts en seis cintas de la franquicia. Con Charlie Hunnam podemos esperar más esa línea de carácter. El originario de Newcastle, Inglaterra, es ubicado por sus papeles de rebelde y violento (Hooligans, 2004). Hunnam es más conocido por su interpretación de Raleigh Becket en Pacif Rim (2013), sin embargo, el actor no quiso regresar para la secuela. Esto habla bien de Hunnam, pues es alguien que decide qué proyectos le hacen bien a su carrera. En 2014, se negó a interpretar a Christian Grey en la saga de Fifty Shades of Grey.

6. Christian Bale

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Probablemente es el actor más lejano para interpretar a Albus Dumbledore, pero no por su actuación, más por su agenda ocupada y su precio, que no debe de ser nada barato. Pero haciendo eso a un lado, Christian Bale sería el profesor de magia más admirado por los estudiantes y el más temido por sus rivales. La presencia del galés es suficiente para dar una impresión en la pantalla grande y llenar las taquillas. La mezcla de Johnny Depp y Bale podría desarrollar una química interesante y cada artista se apoyaría del otro para brindar una mejor actuación y profundidad en los personajes. No nieguen que no quieren ver a Batman exclamar “Alohomora”.

5. Andrew Lincoln

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¿Rick de The Walking Dead (2010-) es inglés? Sí, muy inglés. Nacido en Londres el 14 de septiembre de 1973, Andrew Lincoln alcanzó la fama con dos programas de televisión: This Life (1996-1997), una miniserie que narra la vida de cinco jóvenes recién graduados como abogados y la complicada vida en Inglaterra, y en Teachers (2001-2003), una comedia con tintes de drama acerca de maestros dentro y fuera de las escuelas. Existen rumores que el actor ya no soporta estar en el set junto a zombies, sangre y lodo, y que ha pedido, en múltiples ocasiones, que el destino de Rick, líder de un grupo sobrevivientes del apocalipsis de los walkers, llegue a su fin. Son rumores, pero si el río suena es porque agua lleva… y qué mejor cambio para Lincoln que incorporarse al mundo mágico de Harry Potter.

4. Richard Madden

'Cinderella' Press Conference - 65th Berlinale International Film Festival

El más joven de la lista, con 30 años, la estrella de Game of Thrones (2011-), es una joya que falta pulir. Originario de Escocia, el actor tiene experiencia en teatro y también en proyectos de grandes magnitudes. En 2015, salió en la versión live action de Disney de Cinderella y, actualmente, es el protagonista de la serie Medici: Masters of Florence (2016-), que narra la vida del político y banquero italiano Cosme de Medici en el siglo XV. Con una larga carrera por delante, el escocés tiene el talento necesario para cargar una franquicia sobre sus hombros y compartir pantalla con Johnny Depp.

3. Jude Law

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¿Qué se puede decir de Jude Law que no se haya dicho antes? Pues que haría un buen Albus Dumbledore. El londinense es conocido por su versatilidad con los personajes. Puede interpretar al mujeriego en Alfie (2004) o al primer papa norteamirano en la serie The Young Pope (2016). Es capaz de interpretar a un mago que aparente tener confianza en sí mismo, pero en el interior está dañado por cómo su relación con Gellert Grindelwall, que se volcó y cómo eso le ha afectado en su vida personal. El actor se encuentra filmando la tercera parte de la saga de Sherlock Holmes (2009-), con Robert Downey Jr. El próximo año estrenará King Arthur: Legend of the Sword, junto con Charlie Hunnam y dirigida por Guy Ritchie (Snatch, 2000).

2. Matt Smith

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Nacido en Northampton, Inglaterra, Matt Smith es conocido por su carisma y buen humor. De 2010 a 2015, el inglés fue muy bien aceptado por los fanáticos de la serie más exitosa en su país, Dr. Who, y esto le otorgó un nombre alrededor del Reino Unido. Con Smith podemos esperar a un Dumbledore más dinámico y aventurado como profesor en Howgarts  y en su búsqueda de derrotar al maligno Grindelwall. El actor todavía no es un nombre muy conocido alrededor del mundo, pero con su participación como el Duque de Edimburgo Felipe Mountbatten, en la aclamada serie de Netflix The Crown, cada día veremos más la cara alargada de Matt Smith.

1.  Ewan McGregor

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El escocés es ideal para el papel. Ewan McGregor tiene un historial bastante completo en su carrera artística. Desde Trainspotting (1996) hasta las precuelas de Star Wars (1999-2005). Aunque la trilogía no fue bien recibida por críticos y la mayoría de fans, todos podemos aceptar que McGregor fue lo mejor al interpretar a un joven Obi Wan Kenobi. El actor consumió películas del magnífico Alec Guinness para hacerle honor al caballero jedi. McGregor daría sangre, sudor y lágrimas a Albus Dumbledore y, seguramente, se mantendría fiel al “mejor mago en la historia” de los libros de J.K. Rowling y le otorgaría más profundidad en la juventud del hechicero. Lo único que le podría privar al actor es que, en algún momento, Disney y Lucasfilm le ofrecieran el spin off de Kenobi que tanto ha pedido el escocés. Cualquiera de los dos proyectos brillarián más por Ewan MacGregor.

Mórbido VII: la fiesta de cine de género en Mérida

Jose Hernández: @josechj7

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El pasado jueves 17 de noviembre se llevó a cabo la inauguración de la séptima edición del festival de cine fantástico y de terror Mórbido Mérida. La cita fue en el teatro Fantasio de la capital yucateca, donde en punto de las 8:30 p.m. se abrieron las puertas para dar acceso tanto a amantes del género como a uno que otro curioso, grupo en el que se encontraba el redactor de esta nota. La ceremonia inició con un obituario, acompañado por la música del grupo RIPpers, en el que pudimos recordar a figuras de la industria tales como Alan Rickman, Beatriz Rodriguez, Kenny Baker, Melissa Mathison y Gene Wilder, entre otros.

Acto seguido, subieron al escenario Kevin Manrique Cámara, productor del festival, y Sergio Aguilar y Guadalupe Ojeda, productores ejecutivos del mismo, quienes nos dieron la bienvenida e informaron sobre el programa general de esta edición, que incluía filmes como Retrato de un zombie  (2012), 1974 (2016), Alucarda (1978) y Deseo, deseo (2016). Además, se habló de un espacio para cortometrajes de nuevos talentos, talleres, y la presentación del libro Mostrología del cine mexicano a cargo de su co-autor Rodrigo Vidal Tamayo.

Después de recordarnos el trabajo que requería llevar a cabo el festival, la producción pidió un último aplauso y nos dejó con Sendero (2015), segundo largometraje del director chileno Lucio Rojas. Pocas cosas destacaron en la cinta de terror que, aunque goza de calidad estética, sigue una narrativa un tanto inverosímil y deficiente. Sin embargo, Sendero refleja la inminente voluntad en el crecimiento de las producciones latinoamericanas de cine de género, lo cual es en sí un gran triunfo para el cine de esta región y también significa un futuro fructuoso en la diversidad del cine de terror en general. En cierta medida, la película inaugural del Mórbido Mérida VII no fue el golpe contundente que suele ser, tal vez porque ediciones anteriores habían abierto con filmes más conocidos y mejor acogidos en el imaginario colectivo, como el clásico de terror mexicano Veneno para las hadas (1984) de Carlos Enrique Taboada.

A pesar de contar con el apoyo del gobierno e iniciativa privada, es necesario reconocer que este festival se logra con el esfuerzo de jóvenes amantes del cine de terror. De igual manera, agradecemos la existencia del espacio que este proyecto independiente nos brinda, e invitamos a nuestros lectores interesados a seguir pendientes ya que, seguramente, Mórbido Mérida tendrá muchas más ediciones.

FICM 2016: lo que vimos en Morelia y lo que viene a la CDMX

David Azar: @DavidAzar93

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Como suele ser costumbre, el Festival Internacional de Cine de Morelia trajo a nuestro país lo mejor de la cinematografía mundial de este año. Además de sus selecciones oficiales -conformadas por 76 cortometrajes y 29 largometrajes en competencia-, la programación de esta 14ª edición trajo las mejores producciones que han viajado por los festivales más prestigiosos del mundo. Se proyectó más de la mitad de las películas que conformaron la selección oficial del Festival de Cannes, incluyendo la Palma de oro I, Daniel Blake de Ken Loach, así como las favorecidas por la crítica American Honey (Andrea Arnold), Toni Erdmann (Maren Ade) y Elle (Paul Verhoeven), al igual que algunos filmes de otras secciones del mismo certamen. En cuanto a la Biennale de Venecia, se proyectó la nueva cinta de Tom Ford Nocturnal Animals, esteralizada por Amy Adams y Jake Gyllenhaal, y el poderoso regreso de Damien Chazelle, La La Land, con Emma Stone y Ryan Gosling. Así mismo, el FICM realizó un programa especial con lo mejor del festival de cine de Berlin, bajo el nombre Berlinale Spotlights, incluyendo la ganadora al Oso de oro Fuocoammare de Gianfranco Rosi. Entre otras grandes proyecciones alternativas, podemos nombrar los homenajes a Julio Bracho y Willem Dafoe (quien asistió al festival), los estrenos de Sully (Clint Eastwood) y Manos de piedra (Jonathan Jakubowicz) con la presencia de los talentos Aaron Eckhart y Edgar Ramírez, y algunas presentaciones especiales por parte de Criterion Collection, Canal 22, Cinema Without Borders y Film Foundation.

Lamentablemente para nosotros los cinéfilos mortales, nos es imposible abarcar toda la oferta cinematográfica que Morelia nos tuvo en esta ocasión. A continuación, mis impresiones acerca de las películas que vi a lo largo de esta edición del festival michoacano.

Neruda (2016) de Pablo Larraín

La noche del viernes 23 de octubre, el Festival Internacional de Cine de Morelia inauguró su 14ª edición con la penúltima película (el biopic Jackie está por estrenarse en EE.UU. este 2 de diciembre) de Pablo Larraín, el chileno que se está comiendo la industria del cine una película a la vez. Protagonizada por Luis Gnecco y Gael García Bernal -quienes estuvieron presentes en el festival-, la película abandona el concepto común de biopic y nos sitúa en el episodio histórico cuando el poeta y senador chileno Pablo Neruda (Gnecco) es perseguido por las autoridades bajo la orden del gobierno chileno por pertenecer al partido comunista. El intrépido detective Óscar Peluchonneau (García Bernal) es el asignado en atrapar a Neruda.

La película sigue una narrativa poética, con las reflexiones de ambos personajes en off, reforzando así la figura literaria de Neruda. Sin embargo, Larraín no se limita a explorar sólo esta faceta y logra construir un personaje muy complejo en la figura del ganador del nobel. Por su parte, García Bernal hace un excelente manejo de su acento chileno para interpretar al inseguro detective, al mismo tiempo que sumerge a su personaje en una intensa cacería que torna de lo profesional a lo personal. Los paisajes y el espectacular diseño de producción desde la fotografía de Sergio Armstrong, junto con la versátil actuación de Gnecco, son las características que destacan en este nuevo logro de Pablo Larraín.

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Toni Erdmann (2016) de Maren Ade

Todos los años en el Festival de Cannes hay una película que enamora a la mayor parte de los críticos al grado de convertirla en el prospecto para llevarse la Palma de oro, pero termina siendo ignorada por completo en las premiaciones. Este año, esa película fue la genial Toni Erdmann de Maren Ade. La cinta sigue la intensa relación padre e hija de Winfried, un hombre mayor y muy solitario que tiene una extraña afición por las bromas, e Ines, una consultora en negocios que no vive más que para su trabajo. Partiendo de una premisa sencilla, Maren Ade nos lleva a un espiral de situaciones bizarras e irritantes y bromas que van demasiado lejos entre estos dos personajes. La realizadora alemana logra contarnos una historia extraordinaria desde el concepto ordinario del amor paternal. La película también es un viaje introspectivo de Ines, quien entre tanto trabajo se ha convertido en una autómata, sin tiempo para dedicar a su familia. Las actuaciones de Peter Simonischek y Sandra Hüller, junto con el excelente guión de Ade, son el motor de esta divertida y original película.

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Tramontane (2016) de Vatche Boulghourjian

Este pequeño drama libanés sigue la historia de Rabih (Barakat Jabbour), un músico ciego que después de un insignificante incidente con su identificación oficial, se ve envuelto en una exhaustiva búsqueda por su verdadera identidad. De casa en casa, y de personaje en personaje, Rabih recolecta testimonios que se convierten en fragmentos de una borrosa versión de sí mismo. La puesta en escena de Boulghourjian logra situarnos en medio de la confusión total cuando los testimonios no cuadran entre sí y la desesperación aumenta. La música de Cynthia Zaven y la fotografía de James Lee Phelan hacen excelente mancuerna con los paisajes montañosos del país árabe.

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Elle (2016) de Paul Verhoeven

Lo que inicia como un típico thriller comercial francés, termina yéndose por lugares divertidamente oscuros que muchos no vemos venir. En este regreso del excéntrico Paul Verhoeven, Isabelle Huppert se lleva la película interpretando nuevamente el personaje de psicótica, esta vez buscando vengarse del hombre que la violó. El legendario director holandés, responsable de grandes éxitos como RoboCop (1987), Total Recall (1990) y Basic Instinct (1992), nos trae esta historia tan diferente a todo lo que ha hecho anteriormente. El filme no pasa a ser la “explosión provocadora con imágenes muy explícitas” que se comentó previo a su llegada al festival, pero es sin duda una cinta muy original dentro del cine de suspenso. ¿Su mayor fortaleza?, sin lugar a duda es la actuación de Huppert.

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Manchester by the Sea (2016) de Kenneth Lonergan

Kenneth Lonergan, quien anteriormente había escrito los guiones de Analyze This (1999) y Gangs of New York (2002), trajo una de las mejores películas al festival con Manchester by the Sea. Se trata de un drama acerca del duelo y la soledad, que si bien cumplió con una pizca de un comic relief muy natural en ciertas escenas, se consolida como un gran ejercicio melancólico. Lonergan apoya eficazmente esta fuerza dramática en Casey Affleck, de quien muy probablemente veamos una nominación a Mejor Actor. La música de Lesley Barber complementa la sutil pero poderosa atmósfera melancólica de la película, mientras que el guión, escrito por el mismo Lonergan, se encarga de sacar lo mejor de un Affleck emocionalmente irreparable. Manchester by the Sea es comida para la Academia; tiene todo lo necesario para postularse como una de las preferidas en los Oscar.

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La fille inconnue (2016) de Jean-Pierre y Luc Dardenne

Los hermanos favoritos de Cannes (evidentemente junto con los Coen) regresaron a la selección oficial del certamen francés con este drama que tiene muchos vestigios de su proyecto anterior Deux jours, une nuit (2014). Partiendo nuevamente del dilema moral y la crítica social que tanto caracteriza su cine, los Dardenne nos cuentan la historia de una doctora (Adèle Haenel) que, motivada por la culpa al no haber prevenido la muerte de una niña, se aventura en una encrucijada que la llevará a lugares peligrosos. El estilo de los Dardenne está muy presente en su nueva cinta: secuencias largas de una sola toma, no utilización de música como recurso narrativo, y actuaciones realistas para encarnar personajes ordinarios. Su debilidad fue la narrativa un tanto repetitiva y la lentitud con que se desarrolla la historia. Finalmente, La fille inconnue retoma un poco el concepto del “puerta en puerta” que tuvo más peso dramático en Deux jours, une nuit, significando una pérdida de combustible par los Dardenne.

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Juste la fin du monde (2016) de Xavier Dolan

El nuevo cineasta favorito del nicho hipster regresa después de un homerun con su pasada Mommy (2014). En esta ocasión, Dolan nos trae una adaptación de la obra de teatro homónima de Jean-Luc Lagarce acompañado de un elenco francófono de primera clase, conformado por Gaspard Ulliel, Léa Seydoux, Nathalie Baye, Vincent Cassel y Marion Cotillard. Los rasgos típicos de Dolan siguen vigentes, pero con Juste la fin du monde el cineasta québécois abusó de algunos elementos narrativos, como el uso de la música y la fotografía. Algunas canciones parecían estar ahí más por el mismo gusto de Dolan que por funcionar con la secuencia en cuestión. Además, los primeros veinte minutos pueden sentirse un tanto claustrofóbicos por la falta de espacio dentro de un infinito número de close-ups. Sin embargo, dentro del lado bueno, la dirección de actores parece ser el don del québécois; el reparto entrega interpretaciones intensas en casi todas las escenas, alcanzando las diferentes notas en los seis personajes. No por algo Dolan se llevó el Gran Premio del Jurado en el Festival de Cannes por esta película.

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Esa era Dania (2016) de Dariela Ludlow

Pasando a un plano más local, nos encontramos con una cinta mexicana en competencia. Esa era Dania nos cuenta la historia de una adolescente capitalina que, inmersa en una depresión, no logra vencer los obstáculos que la frenan a diario. Lo interesante en el proyecto de Dariela Ludlow es el ejercicio de ficción y documental que ésta lleva a cabo: la directora encuentra a Dania, decide filmar una ficción en torno a su vida, finalmente le muestra el producto terminado a Dania filmando a la vez sus reacciones y reflexiones. Es entonces que ocurre una sinergia entre el personaje y la persona de Dania; el ejercicio cinematográfico no es sólo para el espectador, sino para la misma Dania que sufre un cambio al realizar la película y posteriormente al verla terminada. Esa era Dania es uno de esos curiosos experimentos que uno encuentra en Morelia, esta vez acerca de la fusión entre el documental y la ficción.

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Nocturnal Animals (2016) de Tom Ford

El diseñador de moda convertido a director de cine regresa con una segunda película más ambiciosa que la anterior. Nocturnal Animals, protagonizada por Amy Adams y Jake Gyllenhaal, es la viva evidencia de que Ford sabe hacer cine, y lo sabe hacer bien. La película, basada en la novela Tony and Susan de Austin Wright, sigue la historia de Susan (Adams) y su vulnerabilidad emocional al leer la nueva novela de su ex esposo (Gyllenhaal). Paralelamente, se recrea en pantalla la historia que Susan lee. Después de un drama acerca de la soledad y la búsqueda de identidad con A Single Man (2009), Ford se adentra en el terreno del thriller psicológico, con una historia desgarradora y situaciones viscerales que nos mantienen al borde de nuestro asiento en todo momento. Las actuaciones de Amy Adams, Jake Gyllenhaal y Aaron Taylor-Johnson son excelentes, pero el knockout fue de Michael Shannon interpretando al detective Carlos; veo difícil que no sea Shannon el contendiente más fuerte para el Oscar a Mejor Actor de Reparto.

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El vigilante (2016) de Diego Ros

La ganadora de este año del Ojo a Mejor largometraje ficción sigue la historia del vigilante de una obra en construcción durante una noche de eventos bizarros. Lamentablemente, desde la perspectiva de un servidor, lo que comienza como un buen thriller con motivaciones establecidas termina siendo una enredadera de cabos sin atar. La excelente fotografía de la vista nocturna de la ciudad, a cargo de Galo Olivares, y la entrañable actuación de Leonardo Alonso (ganador del Ojo a Mejor actor) no fueron suficientes para salvar la película de Diego Ros; no hay sentido al final de esta historia. Al parecer, por alguna razón, sí fue suficiente para el jurado oficial del festival.

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The Birth of a Nation (2016) de Nate Parker

Entre mis más esperadas del festival, se encontraba este descubrimiento de Sundance que abrió nuevamente el diálogo acerca de la historia del racismo en Estados Unidos y sus repercusiones en la actualidad. Además, la película tuvo su auge al mismo tiempo que los escándalos de police brutality en algunos estados de EE.UU. y el movimiento Black Lives Matters, dándole aún más combustible a su promoción. El debut de Parker es un violento episodio histórico que impresiona, entre tantas cosas, por la brutalidad de sus imágenes, muchas de las cuales incluso podrían ser vistas como políticamente incorrectas en muchos sectores de la sociedad norteamericana. Dentro del aspecto cinematográfico, Parker nos introduce en su película con un espléndido diseño y calidad de producción. Lamentablemente para el cineasta debutante, el guión torna soso y totalmente predecible a mitad de la cinta. The Birth of a Nation ya no es la fuerza imparable que acabaría como favorita a los ojos de la Academia. Sin embargo, Parker realizó un sólido debut de grandes magnitudes en distintos aspectos cinematográficos. Al final, entre las muchas películas en la programación del festival, esta es una de las más emotivas.

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La La Land (2016) de Damien Chazelle

En mi opinión, el tercer largometraje de Damien Chazelle no sólo es la mejor película que se presentó en Morelia, sino que posiblemente sea la mejor de este año. La La Land es una producción musical de grandes proporciones y una carta de amor a Hollywood al mismo tiempo. El cinefotógrafo Linus Sandgren hace magia de las secuencias musicales, la música de Justin Hurwitz homenajea a este género simbólico de la época de oro de Hollywood (sin caer en el cliché) y la trágica y dulce química entre Ryan Gosling y Emma Stone rompe los corazones de los espectadores. Sin embargo, el ingrediente secreto en el éxito de La La Land es el mismo sujeto responsable del proyecto; si Damien Chazelle demostró tener bastante talento como realizador con Whiplash (2014), en esta ocasión demuestra ser un prodigio del séptimo arte. Los últimos 20 minutos son de gran fuerza cinemática; Chazelle nos apuñala de frente y nos desgarra las fibras más sensible de una manera espectacular. Estamos delante de uno de los mejores realizadores de la meca hollywoodense actual.

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La región salvaje (2016) de Amat Escalante

Uno de los realizadores mexicanos con más presencia en el extranjero da un giro salvaje con su nueva película, galardonada con el León de plata a Mejor Director en el festival de Venecia. La región salvaje sigue la historia de una familia tradicional y provinciana cuyas vidas cambiarán radicalmente con la llegada de Verónica, una extraña chica que conoce a una criatura fuera de este planeta que resuelve los problemas de cualquier persona. Esto sucede siempre y cuando se tenga una conexión favorable con la criatura; de lo contrario, ésta puede tornar muy violenta. En el aspecto visual, Escalante conserva su estilo contemplativo en este cuarto largometraje. Sin embargo, el guanajuatense elige una manera muy peculiar de desarrollar la historia. La región salvaje toca los temas de machismo, la hipocresía y la homofobia -muy arraigados en la cultura mexicana-, y los trata a través de una mezcla de ciencia ficción y drama, poniendo por delante el concepto de la sexualidad. Sin lugar a duda, el proyecto más original de Escalante hasta ahora.

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The Salesman (2016) de Asghar Farhadi

La nueva película del ganador del Oscar Asghar Farhadi (A Separation, 2011) es un drama de pareja que concentra su poder en las actuaciones de sus dos protagonistas: Rana (Taraneh Alidoosti) y Emad (Shahab Hosseini). Tal fue la hazaña actoral de Hosseini que se llevó el premio a Mejor Actor en el Festival de Cannes, junto con el premio de Farhadi a Mejor Guión. Rana y Emad se mudan a un nuevo departamento donde parece ser que una prostituta fue la anterior inquilina. Una tarde, Rana sufre una agresión por parte de un extraño al haber dejado la puerta abierta, creyendo que había sido Emad quien tocó el timbre. A partir de este incidente, los personajes sufren las secuelas que deja tal evento, haciendo de su tranquila vida un infierno de dudas y precauciones. La construcción de los personajes es el don de Farhadi, y la manera en que estos se desarrollan al final de la cinta es una explosión intensa de emociones.

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Tenemos la carne (2016) de Emiliano Rocha Minter

Metes felación, incesto, necrofilia, orgías y canibalismo a una licuadora, arrojas la mezcla en un molde de mundo post-apocalíptico en México, y tienes la ópera prima de Emiliano Rocha Minter. Tenemos la carne goza de una gran fotografía (de Yollótl Alvarado) que pocos mexicanos tienen en sus óperas primas, así como de una dirección de arte muy bien lograda (cortesía de Manuel García), pero si se explora el terreno de la narrativa y de las motivaciones de los personajes, no tienes nada. Rocha Minter nos presenta una fantasía torcida y oscura, visualmente exquisita, pero vacía en todos sus aspectos narrativos. Hay quienes justificarán la cinta por tener un estilo “poético” o meramente “artístico”, pero en el cine, si el guión no tiene pies ni cabeza y no hay cabos que se aten, no es cine.

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¡Lo mejor del FICM en la Ciudad de México!

Del viernes 4 al jueves 10 de noviembre, el Festival llega a la capital con una selección específica de su programación. Las películas a presentarse son:

1. The Birth of a Nation de Nate Parker
2. Elle de Paul Verhoeven
3. Manchester by the Sea de Kenneth Lonergan
4. Toni Erdmann de Maren Ade
5. Neruda de Pablo Larrain
6. L’odyssée de Jérôme Salle
7. Kiki, El amor se hace de Paco León
8. Hedi de Mohamed Ben Attia
9. La chica del tren de Tate Taylor
10. Sully de Clint Eastwood
11. All the World’s a Screen: Shakespare on Film de David Thompson
12. Rauf de Caner Soner
13. The Yard de Måns Månsson
14. Homenaje a Julio Bracho: La sombra del caudillo.

Y también las ganadoras del FICM, como:

Premio del público largometraje 14º FICM
Las Tinieblas, de Daniel Castro

Premio del público documental 14º FICM
Tempestad, de Tatiana Huezo

Mejor largometraje mexicano 14º FICM
El Vigilante, de Diego Ros

Mejor Primer o Segundo Largometraje Mexicano 14º FICM
El sueño del Mara´akame, de Federico Cecchetti

Mejor documental Mexicano 14º FICM
Bellas de noche, por María José Cuevas

Ganadores Cortometrajes mexicanos 14º FICM

Podrán disfrutar de estas películas en las sedes de Cinépolis: Diana, VIP Carso, Miyana, Oasis Coyoacán y Perisur. De igual manera, les compartimos los horarios de Lo mejor del FICM

Gonzalo Suárez: Homenajeado en el 25 Festival de Cine de Madrid.

El Festival de Cine de Madrid cumple 25 años y decide dedicar su primer cuarto de siglo a Gonzalo Suárez, cineasta y escritor prolífico.

Natalia Martínez: @Nataliama2

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Para mí el cine nunca fue un trabajo, fue más un juego.

– Gonzalo Suárez.

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El pasado viernes 14 de octubre arrancó el Festival de Cine de la Plataforma Nuevos Realizadores en la capital de la Península Ibérica. A manera de inauguración se rindió homenaje a uno de los realizadores esenciales de la cinematografía española.

El homenaje se celebró en el Cine Doré, situado en el barrio de Antón Martín, calle Santa Isabel. Este espacio, ahora sala de exhibiciones de la Filmoteca Española, se inauguró en diciembre de 1912. El Cine conserva su nombre original y guarda aún, entre sus paredes color azul turquesa, ese aire de comienzos del siglo XX. La sala envuelve al espectador, lo hace olvidarse del ruido de la tecnología, de las responsabilidades diarias, del tedio, para adentrarse en las ficciones narradas por la pantalla grande.

¿Existirá mejor lugar que el Cine Doré para rendir homenaje a un gran cineasta español? Lo dudo.

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El viernes 14 de octubre a las veinte horas, en un Madrid en el que ya comienza a anochecer a horas decentes, Gonzalo Suárez caminó por el pasillo central de la sala de proyecciones siendo aplaudido por todos los ahí presentes. Así comenzó el 25 Festival de Cine de Madrid de la Plataforma Nuevos Realizadores: rindiendo homenaje a uno de los personajes del cine español más emblemáticos y admirados.

Suárez nació en Oviedo, Asturias en 1934. Recorrió varios oficios antes de dedicarse a la imagen en movimiento. Fue pintor, ejerció como periodista deportivo bajo el seudónimo de Marin Girard y hasta hoy sigue saltando entre la faena del novelista y el cineasta. Fue ganador del premio Nacional de Cinematografía y del Goya a la mejor dirección por Remando al viento (1988)– filme protagonizado por Hugh Grant.  Es escritor y director; ni uno, ni otro, sino ambos, porque ambos oficios se complementan. Bien dijo alguna vez Julio Cortazar sobre él: “¿Escritor que hace cine, cineasta que regresa a la Literatura? De cuando en cuando hay mariposas que se niegan a dejarse clavar en el cartón de las bibliografías y los catálogos, de cuando en cuando, también, hay lectores o espectadores que siguen prefiriendo las mariposas vivas a las que duermen su triste sueño en las cajas de cristal”.

***

Para los madrileños que nos leen, dejamos aquí el link donde podrán encontrar la programación completa del festival con las proyecciones de los filmes de Suárez que se realizarán en Cine Doré:

Programa de mano del 25 Festival de Cine de Madrid, Plataforma Nuevos Realizadores. 

En cambio, para los que están lejos de la capital española, pero que quisieran conocer la obra de este imaginativo cineasta, IV Acto les recomienda tres de sus películas:

La Parranda (1977)

La producción cuenta con un reparto excepcional, desde Charo López hasta José Sacristán. Este filme es la adaptación del libro A Esmorga de Eduardo Blanco Amor. El encuentro definitivo con el cine español de Gonzalo Suárez.

Datado en 1934, narra la historia de un Cibrán, un obrero que le promete a su amante trabajar para que ella pueda dejar de ejercer la prostitución. A la mañana siguiente, en el camino a su nuevo trabajo, se encuentra con sus dos amigos, el Bocas y el Milhombres. Cibrán cede ante los convites del par de borrachos y comienza así una jornada caracterizada por episodios de grave demencia, violencia, sexo y excesos. Con escenas que rayan en el surrealismo de la edad de plata, el filme nos muestra a un personaje principal desdichado y poco convencido sobre si seguir hundiendo su vida o cumplir con su promesa de estabilidad laboral.

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El detective y la muerte (1944)

De nuevo, con pinceladas de un surrealismo sombrío, Gonzalo Suárez construye una atmósfera negra protagonizada por el único elemento al que nadie puede escapar: la muerte.

Un importante magnate (Héctor Alterio) tiene el poder de quitarle o darle vida a quién él quiera, sin embargo, no tiene la capacidad de prevenir su inminente muerte. El magnate le regala a su hija -con la que mantiene una relación amorosa- un artefacto que le permitirá verlo después de muerto. La hija lo que en realidad desea es que su madre, la Duquesa, muera, así que la manda matar.

El detective Cornelio (Javier Bardem) perdidamente enamorado de la Duquesa, hará hasta lo imposible por que sobreviva.

Remando al viento (1988)

Los protagonistas de este filme son el poeta inglés Lord Byron (Hugh Grant), la creadora de Frankenstein, Mary Shelley (Lizzy McInnerny) y su esposo el escritor Percy Bysshe Shelley (Valentine Pelka). El primero incita a sus dos amigos a escribir una historia de terror. Es así que Mary comienza su obra maestra, Frankenstein. Una cadena de eventos misteriosos, de tragedias, le comienzan a suceder a las personas que rodean a la escritora. Mary, perdiendo la cordura, está convencida de que el monstruo que creó es el que causa todas esas desventuras. Un filme que se esfuerza por recrear cada aspecto de los dogmas del romanticismo hecho para los amantes de la literatura.

Festival de Cine Coreano en la Ciudad de México

David Azar: @DavidAzar93

El cine coreano ha tenido un boom impresionante que empezó a finales de los años noventas y que si tuviera que describir con tan sólo una palabra, sería la palabra intenso. Es una experiencia visual y auditiva cual deporte extremo; cineastas coreanos que actualmente gozan de renombre internacional como Park Chan-Wook, Bong Joon-Ho, Lee Chang-Dong y Kim Ki-Duk son creadores de historias que, con el solo hecho de recordar la primera vez que las digerimos, sentimos de nuevo ese hormigueo que caracteriza a los amantes del séptimo arte al salir satisfechos de la sala de cine. Películas con giros inesperados y técnicas visuales exquisitas como Oldboy (Park Chan-Wook, 2003) y I Saw The Devil (Kim Jee-Woon, 2010), o películas construidas al rededor atmósferas místicas y trascendentales como Las estaciones de la vida (Kim Ki-Duk, 2003) y Pinceladas de fuego (Im Kwon-Taek, 2002) son algunas características que presume este cine emergente.

Tan fuerte ha sido el reflector sobre la cinematografía de este país asiático que México, por medio del Centro Cultural de Corea y Cinepolis, se puso manos a la obra para empapar una que otra pantalla con la esencia de este país: por si no lo sabían aún, el Festival de Cine Coreano se llevó a cabo del 25 de septiembre al 1 de octubre en la Ciudad de México y trajo consigo cuatro largometrajes: Los ladrones (Choi Dong-Hoon, 2012), Todo sobre mi mujer (Min Kyu-Dong, 2012), Confesiones de un asesino (Jeong Byeong-Gil, 2012) y Antes de la boda (Hong Ji-Yeong, 2013).

Debido a los deberes que a un cinéfilo obstruyen en su camino, un servidor tuvo la oportunidad de ver solamente dos películas que afortunadamente, si mi instinto no me engaña, fueron las que más valieron la pena del Festival: la divertidísima Los ladrones y el thriller Confesiones de un asesino.

Como mencioné antes: intenso.

Los ladrones

The Thieves gira en torno a una banda profesional de ladrones de Corea del Sur compuesta por: Popie (Jung-Jae Lee, Hanyo), Yenicall (Gianna Jun, Blood: El último vampiro), Chewingum (Hae-suk Kim, Bakjwi) y Zampano (Soo-hyun Kim, Chang-Pi-Hae). Con el fin de olvidar su último golpe, el grupo viajará a Macao para llevar a cabo un lucrativo trabajo: deberán robar un valioso diamante conocido como “Lágrima del Sol”, a un despiadado criminal llamado Wei Hong (Guk-Seo Ki, Ahbuwei Wang). La joya se encuentra en la habitación de un reconocido casino. La banda de malhechores descubrirá que el antiguo socio de Popie (que acaba de salir de prisión) está detrás de este nuevo trabajo. Como entre los ladrones no existe el honor, cada uno de ellos intentará llevar a cabo su propio plan para alzarse con el preciado botín. (vía Cinepolis)

Los ladrones es un espectáculo desde el primer fotograma hasta el primer indicio de los créditos finales. Cuenta con el glamour y estilo de Ocean’s Eleven (Steven Soderbergh, 2001) y el ingenio y adrenalina de Nueve Reinas (Fabián Bielinsky, 2000). La fórmula que Choi emplea en su cinta es efectiva: personajes bien pulidos; escenarios , que abarcan desde Busan y Hong Kong hasta Macao; y un guión muy pensado con el número de giros necesarios para traer al espectador sudando entre los secretos y las trampas de la trama. La comedia está a la par de las secuencias de acción, haciendo de Los ladrones un entretenimiento visual con la cantidad necesaria de complejidad y ritmo que se necesita dentro de sus dos horas y quince minutos de metraje. No por algo se encuentra entre las cinco películas coreanas más taquillera de todos los tiempos.

Confesiones de un asesino

Un hombre, familiar de una de las víctimas de un asesino en serie de 10 mujeres, salta de un edificio delante del detective encargado del caso. Dos años más tarde, un hombre llamado Lee Doo-seok publica un libro titulado “Confession of Murder” (Confesiones de un asesino) haciéndose responsable de los asesinatos ocurridos 17 años atrás. Su libro se convierte en un gran éxito, pero aparece otro hombre que afirma ser el verdadero culpable. (vía Cinepolis)

Cinismo y confusión son la base de este thriller tan cargado de intensidad que Byong-Gil construye alrededor de dos dimensiones de espectadores: nosotros y los ficticios, dentro del filme. Muchos diríamos a primera vista que la síntesis de la película son los motivos del verdadero asesino, revelados al final de la historia, o el deseo de venganza (algo tan presente y creativo en el cine coreano) del detective Choi (Jeong Jae-Yeong). Sin embargo, yo tengo otra opinión al respecto: la síntesis, Byong-Gil demuestra, es el grado de morbosidad y cinismo que la gente puede cultivar alrededor de una noticia; todo el público coreano sigue intensamente de cerca la cobertura de los los hechos, desde la publicación del libro de memorias del asesino hasta los debates del final. No cabe duda que la controversia vende, y la manera en que los televidentes y fans son presentados en la película llega a rayar la moral. Aquí el drama recae en dos vertientes: la manipulación de los medios, siempre al alcance de lo que la gente desea ver, dejando de lado cualquier noción de ética; y el hambre del público, anhelando que la historia torne cada vez más perturbadora. El resultado no es solamente una película emocionante, sino un estudio de la relación de los medios y las masas que, aunque llevado al extremo, vale la pena tener presente. Por consecuente, desde un ángulo muy poco convencional, Confesiones de un asesino es una película humana, si tomamos en cuenta la conducta de la gente.

Puedo concluir firmemente que quedé satisfecho con el Festival. Espero que los espacios de cine alternativo, como el comentado en este artículo, sigan creciendo con frecuencia. Recordemos que estas dinámicas, como cualquier otra en el mundo del mercado, trabajan por medio de la oferta-demanda. Así que pidamos más cine, hablemos de lo que queremos ver en las salas, y mientras tanto disfrutemos los espacios que ya tenemos.