10 proyectos cinematográficos que esperamos este 2017

Jorge Durán: @JEDZ1138

A pesar de todo el caos y la incertidumbre que este nuevo año pueda representar, siempre hay una constante que nos llena de esperanza: el cine. Este 2017 presenta proyectos muy prometedores y que han llamado nuestra atención desde su primer anuncio. Estar preparados y seguir cada noticia, trailer o TV spot es parte de la experiencia de vivir una película. Queremos compartir esta lista con los proyectos cinematográficos que consideramos dignos de nuestra atención. Algunas cintas serán un éxito de taquilla, otras no. Algunas serán parte de “lo mejor del 2017”, otras serán enterradas con comentarios de fanáticos y/o críticos, pero ninguna será olvidada. La intención de esta lista es disfrutar y emocionarnos por todo lo que el cine tiene para ofrecernos. Esta lista se presenta en orden alfabético.

Baby Driver

Han Pasado cuatro años desde el último largometraje como director de Edgar Wright: The World’s End (2013). Hemos sido privados por varios años del trabajo de un director tan creativo, dinámico e imaginativo como lo es Wright, pero este año todo cambia con Baby Driver. El director de la “Trilogía Cornetto” y de Scott Pilgrim vs The World (2010) nos entregará una historia como sólo él sabe hacerlo: Después de ser obligado a trabajar para un jefe del crimen, un joven conductor de escapes se encuentra participando en un robo condenado al fracaso. Fecha de estreno: 11 de agosto (EE.UU.).

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Blade Runner 2049

Todos somos cautelosos al escuchar la palabra “secuela” pero cuando llega un proyecto que continuará una de las mejores películas de ciencia ficción en la historia del cine y cuando sabemos el proyecto será dirigido por Denis Villeneuve –  justo después de haber entregado una cinta con la calidad de Arrival (2016) – involucrando a visionarios como Roger Deakins y Ridley Scott detrás de la lente y a leyendas como Harrison Ford, reviviendo uno sus mas importantes papeles, junto a una nueva generación de talentos como Ryan Gosling, entonces nuestra duda se traduce en expectativa y en un interés extremo. Fecha de estreno: 6 de octubre (EE.UU.).

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Dunkirk

Desde diciembre de 2015, en IV Acto,  hemos cubierto con gran extensión el próximo proyecto de Christopher Nolan y recientemente tuvimos la oportunidad de experimentar un fragmento del material en IMAX, previo a la proyección de Rogue One – A Star Wars Story (2016). Todo parece prometedor: Una historia épica y un director con una carrera impecable que nos ha entregado grandes satisfacciones. Dunkirk, será un drama de la Segunda Guerra Mundial y narrará la evacuación de la ciudad francesa Dunkirk (ó Dunkerque) en el verano de 1940. Esta acción, mejor conocida como “Operation Dynamo”, fue una operación conducida por la Fuerza Expedicionaria Británica y permitió el rescate y la salvación de más de 300,000 vidas Aliadas. Fecha de estreno: 27 de julio.

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Free Fire

Con cintas como Kill List (2011) y High Rise (2015) en su filmografía, el director inglés Ben Wheatley se ha ubicado con rapidez en la mirada de la industria. Wheatley cuenta con una peculiar visión que ha encontrado un seguimiento de culto por parte de fanáticos y Free Fire continua con esa tendencia mezclando crimen y comedia. Dos bandas de criminales quedarán atrapados en el fuego cruzado en una compra de armas que sale mal, es todo lo que necesitamos saber. Las reseñas del Toronto International Film Festival han aclamado la cinta como “explosiva” y “entretenida” y con un cast que incluye a Brie Larson, Armie Hammer, Jack Reynor y Cillian Murphy sólo podemos contar los días para experimentar Free FireFecha de estreno: 17 de marzo (EE.UU.).

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John Wick: Chapter 2

John Wick (2014) demostró ser una grata sorpresa en el Fantastic Fest de Austin, TX. Cualquiera que haya tenido la oportunidad de experimentar esta cinta en la pantalla grande sabe a lo que me refiero. Un nivel de acción diseñado con detalle y una historia construida en una subcultura llena de misterio es la base en la que los directores Chad Stahelski y David Leitch presentaron la primera pieza del rompecabezas en el 2014. Con John Wick: Chapter 2 se extiende la mitología y los desafíos se elevan para crear una continuación digna de su antecesora. Fecha de estreno: 24 de febrero (México).

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Guardians of the Galaxy, Vol.2

En Guardians of the Galaxy (2014), James Gunn le dio un giro fresco al Universo Cinematográfico Marvel al presentarnos un guión lleno de humor y con personajes sobresalientes en una historia que se aleja de todos los convencionalismos que Marvel Studios había presentado a la fecha. Si algo podemos concluir del material presentado en la Comic-Con 2016 es que nos espera un viaje como nunca antes visto y lleno de aventura con Guardians of the Galaxy, Vol.2. Gunn tiene toda nuestra confianza. Fecha de estreno: 5 de mayo.

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Molly’s Game

Aaron Sorkin es uno de los mejores guionistas cuyo trabajo ha influenciado los últimos veinte años. Con trabajos como A Few Good Men (1992), The Social Network (2010) y Moneyball (2011), sin mencionar su aportación en el terreno de la TV con proyectos como The West Wing y The Newsroom. Sorkin es todo un maestro para desarrollar personajes e historias complejas con una naturalidad que pocos escritores pueden lograr. Molly’s Game representa su primera oportunidad como director y no podemos estar más emocionados. La historia involucra a la ex-atleta Molly Bloom (Jessica Chastain) quien se convierte en el foco de atención para el FBI después de organizar y operar una red internacional de poker. Esta es una cinta que amerita estar en el radar. Fecha de estreno: Por Confirmar.

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Spider-Man: Homecoming

Uno de los momentos mas memorables en Captain America: Civil War (2016) fue la introducción de Peter Parker a.k.a. Spider-Man. Tom Holland demostró que tiene la habilidad, el talento y el carisma para encarnar un personaje icónico y al mismo tiempo sostener una producción digna de Marvel Studios. Spider-Man: Homecoming representa la primera oportunidad de Sony Pictures de unir fuerzas con Marvel Studios para crear una adaptación de uno de los personajes más populares, no sólo dentro de Marvel, pero de la cultura pop. A Tom Holland se le unirá Robert Downey Jr. y, regresando al género de superhéroes, Micheal Keaton. Fecha de estreno: 7 de julio.

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Star Wars – Episode VIII: The Last Jedi

Aunque no hemos visto una sola pieza de material y la información acerca de esta historia es escasa, estamos hablando de STAR WARS y de un nuevo episodio en una de las sagas más grandes en la historia del cine, creo que no hace falta justificar nuestra emoción. Pero si a lo anterior sumamos la presencia de Rian Johnson en la silla de director la expectativa se eleva. Hablamos del director que nos entrego impecables producciones: Brick (2005), Brothers Bloom (2008) y Looper (2012), sin mencionar su aportación en series de TV como Breaking Bad. Star Wars – Episode VIII: The Last Jedi se encuentra en muy buenas manos. Fecha de estreno: 15 de diciembre.

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Thor: Ragnarok

Hunt for the Wilderpeople (2016) entró en mi Top 10 de lo mejor del año pasado. El director Taika Waititi tiene una sensibilidad única y sabe utilizar al máximo los recursos que a su disposición para saber contar una historia. En el “mockumentary” de vampiros What We Do In The Shadows (2014), Waititi logra equilibrar la comedia, el horror y la fantasía con gran éxito. Este director sabe contar una historia con emoción y estilo. Por todo lo anterior, fue una grata sorpresa que Waititi sea el director de otra nueva producción de Marvel Studios, Thor: Ragnarok. La historia tomará elementos narrativos de Planet Hulk y cuenta con un cast de primer nivel al integrar a Cate Blanchett, Karl Urban, Tessa Thompson y Jeff Goldblum con la trifecta de Chris Hemsworth, Mark Buffalo y Benedict Cumberbatch… y por supuesto Tom Hiddleston. Fecha de Estreno: 3 de noviembre.

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Mención Honorífica:

Es difícil elegir entre una galería de producciones y limitarla a 10 lugares, siempre es el mismo predicamento. Esta lista es una opinión personal y sólo busca generar una visión de lo que nos espera durante este año. Hay muchas cintas que merecen estar en la mira y existen diferentes proyectos que merecen total reconocimiento, por eso no podemos despedirnos sin mencionar 5 cintas que destacarán en un nivel u otro dentro de este año:

War of The Planet Of The Apes (Dir. Matt Reeves)

Kong: Skull Island (Dir. Jordan Vogt-Roberts)

Logan (Dir. Jame Mangold)

The Dark Tower (Dir. Nikolaj Arcel)

Logan Lucky (Dir. Steven Soderbergh)

Hidden Figures: la lucha por descubrir el talento

Jorge Durán: @JEDZ1138

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Tan sólo un par de meses atrás recordábamos la herencia cultural y la indeleble presencia histórica del astronauta John Glenn, quien en 1962 se convirtió en el primer norteamericano en orbitar la Tierra. Su fallecimiento el 8 de diciembre de 2016 reconoció un legado y al mismo tiempo fue el recordatorio de una época llena de aspiraciones, incertidumbre y adversidades. Hidden Figures (2016) retrata una era en busca de hazañas como la realizada por Glenn y la misma NASA, reflejando al mismo tiempo no sólo una revolución tecnológica pero también social. Con el climax de la “Carrera Espacial” entre Estados Unidos y Rusia como fondo, el núcleo de esta historia son tres poderosas mujeres que dejaron su huella en la historia dentro y fuera de este planeta.

Hidden Figures es dirigida por Theodore Melfi y está escrita por el mismo Melfi y Allison Schroeder, basándose en el libro de Margot Lee Shetterly. Esta historia real se enfoca en el primer grupo de mujeres matemáticas, afro-americanas y teje de manera muy equilibrada las vidas y las carreras de Katherine Goble Johnson (Taraji P. Henson), Dorothy Vaughan (Octavia Spencer) y Mary Jackson (Janelle Monáe). Melfi logra contar una historia que pocos conocemos de una forma muy segura y satisfactoria, sin pretensiones, que es exactamente la clase de narrativa que esta excepcional historia requiere, acercando a la audiencia la lucha social y profesional de este talentoso trío.

Esta es una historia que merece ser vista por el mayor número de personas posible. Las generaciones jóvenes, específicamente, necesitan conocer este fragmento de la historia moderna y más aún en una era como en la que vivimos. Hidden Figures es una cinta que inspira y que va mas allá de las salas de cine ya que es un testimonio real de los resultados de la perseverancia y un registro de la defensa de los derechos civiles. Melfi nos muestra que las barreras y las divisiones en las instalaciones de la NASA no son muy diferentes de las batallas sociales en las calles de Virginia, además de presentarnos un retrato de mujeres fuertes, inteligentes y decididas en generar un cambio en sus respectivos campos.

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Taraji P. Henson realiza un sólido y memorable trabajo acercándonos a la vida de Katherine Goble Johnson y su invaluable aportación en el ‘Proyecto Mercury’. Johnson desarrolló los cálculos que ayudarían a trazar la trayectoria que impulsaría la misión de John Glenn y que re-escribiría los libros de historia. Lo que Theodore Melfi logra, de manera muy dinámica, es integrar los desafíos de Dorothy Vaughan y Mary Jackson creando una cinta que presenta diferentes perspectivas que convergen de manera muy coherente. Vaughan lucha por ser reconocida como la primer supervisora afroamericana en la sección de las ‘Computadoras del Área Oeste’, además de enfrentarse a la inminente llegada de la nueva maquinaria IBM que reemplazará el trabajo humano en cualquier momento. Por otro lado, Mary Jackson llevará su deseo de crecer y convertirse en la primer ingeniero afroamericana en la historia de la NASA hasta la corte. Estas “figuras ocultas” merecen descubrirse.

Hidden Figures no sólo tiene el prestigio de encontrarse nominada este año a los premios de la Academia en las categorías de Mejor Película, Mejor Guión Adaptado y Mejor Actriz de Reparto (Octavia Spencer); la pelí una también es un documento que nos demuestra las consecuencias de la segregación racial y el impacto no solo en los individuos, pero en el progreso humano. El daño de vivir divididos por el prejuicio es sinónimo de retroceso y es algo que necesitamos entender ahora más que nunca si deseamos crecer como sociedad.

¿Yo, Fascista? Un diagnóstico basado en los 14 síntomas del fascismo de Umberto Eco.

14 síntomas del fascista eterno relatados por Umberto Eco e ilustrados a través del cine.

Natalia Martínez: @Nataliama2

Selección de filmografía de David Azar (@DavidAzar93) y Natalia Martínez

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Fotograma de Er ist wieder da (2015).

Tenían razón: la historia es cíclica. Me era antes difícil creerlo porque no lo había vivido. Nunca había sido testigo de esa manía extraña que tiene el ser humano con acomodar deliberadamente delante de él la misma piedra con la que se había tropezado, roto la pierna y el brazo, para volver a tropezar con ella. Los seres humanos no solamente somos entes curiosos y peculiares, difíciles de entender, somos también el único animal que se tropieza con la misma piedra dos veces, o quizá incluso más de dos. Ya hemos visto antes cómo sujetos imponentes, de ultraderecha, radicales, conservadores hasta la médula, son elegidos por el pueblo para convertirse en los nuevos líderes mundiales. Nos ha pasado más de una vez y los resultados de esta terrible elección nunca han sido favorables: odio creciente hacia ciertas minorías, un nacionalismo poco fundamentado, sentimientos de superioridad racial… guerra. La última vez en que sucedió esto el resultado fue el exterminio sistemático de once millones de personas de los cuales más de la mitad eran judíos y un muro de la vergüenza separando a una misma ciudad en Este y Oeste.

Creí que habíamos aprendido: Mussolini, padre del fascismo, murió apaleado por su propio pueblo, la guerra civil española, dirigida por Francisco Franco, apoyado por el líder italiano y el alemán, claro, acabó con la vida de entre 500,000 y un millón de sus connacionales, sin contar a otros tantos cuya existencia se vio terriblemente destrozada, y Alemania acabó como acabó por Hitler, dejémoslo así.

¿De los errores se aprende? ¿No? El muro de Berlín se derribo la noche del 10 de noviembre de 1989, 28 años después de que se erigiera. Su caída representó una de las reflexiones más grandes a las que se ha visto sometida la humanidad: el perdón, un no volverá a pasar convencido, un mundo progresista de Tratados de Libre Comercio, de Uniones Europeas, de Naciones Unidas, de globalización, de tolerancia. Menos de un año después, en el Potsdamer Platz, Roger Waters cantó All in all you’re just another brick in the wall.

Hoy, “la nación de la libertad”, corona a un hombre tan radical e impulsivo como los mencionados anteriormente. La extrema derecha en Austria obtuvo su mejor resultado desde la Segunda Guerra Mundial. Una Marine Le Pen neurótica usa un discurso muy parecido al de Trump para ganar popularidad. Pasó Brexit. Viene Polonía, también Holanda. Un Bad hombre sentado en la silla presidencial de los Estados Unidos, no hace más que alentar a otros ansiosos de poder, de grandeza nacional, a intentar hacer lo mismo. A la cadena se le suma a diario un nuevo eslabón. De pronto las canciones de Pink Floyd vuelvan a ganar sentido: Of course mama’s gonna help build the Wall.

No nos confundamos. Si en tiempos de democracia personas así se están posicionando como los líderes, es porque un número importante de la población los eligió, porque un número relevante de coterráneos los creyeron su mejor opción. En conclusión, bastantes de las personas que nos rodean, por lo menos aquí en Europa, en Estados Unidos y tal vez en México se identifican con el pensamiento fascista.

En 1995 el escritor e intelectual italiano, Umberto Eco, presentó las 14 señales del fascismo en la Universidad de Columbia. Eco explicó cómo el fascismo, a pesar del contexto social o histórico del momento, puede permear la mente de muchas personas por igual.

SPETT.UMBERTO ECO A NAPOLI(SUD FOTO SERGIO SIANO)
Umberto Eco

Este artículo invitará a una reflexión exhaustiva sobre lo que es esta ideología, tomando como punto de referencia algunas películas (porque no hay nada que no se puede ilustrar con cinematografía) y los 14 síntomas del fascismo relatados por Umberto Eco. Recuerden, no es necesario caer en todos para ser considerado un fascista, con dos es más que suficiente.

Suerte con el diagnóstico. ¡Ojalá no les salga positivo!

1. Culto a la tradición: La primera característica del Fascismo eterno de Eco es el culto a la tradición, a las reglas sociales establecidas previamente. Hay que mantener en cuenta que el afecto a ciertas tradiciones, o el mantener vivas algunas usanzas pasadas no necesariamente nos hace pertenecer a esta categoría. Nos referimos a un culto obsesivo con lo tradicional, la incapacidad de hablar de cambios sociales porque las cosas no deben cambiar. El “antes todo era mejor”. El seguir reglas instituidas en un pasado lejano sin cuestionarlas. Para el fascista eterno, la verdad ya fue anunciada en más de cien ayeres y hay que seguir caminando sobre ese difuminado camino que ya no se acomoda al progreso tecnológico o científico de la sociedad. Como consecuencia, el avance del saber se ve castigado, oprimido.

Trailer de The Stepford Wives (2004) de Franz Oz.

2. Rechazo a la modernidad: Esta testarudez con el pasado nos lleva a un claro rechazo, miedo y falta de reflexión en torno a lo reciente, porque lo “nuevo” amenaza las tradiciones espirituales y nacionales. Para el Nacional Socialismo, por ejemplo, el iluminismo, la edad de la razón, era percibida como el inicio de la depravación moderna. Para un fascista la razón, al cuestionar verdades establecidas, corresponde al libertinaje. Por ende, el fascismo eterno corresponde a la falta de cuestionamiento, a la irracionalidad.

Clip de Mona Lisa Smile (2003) de Mike Newell.

 3. La acción por la acción: El actuar debe ser el primer motor del ser humano y debe realizarse antes de cualquier reflexión. El pensamiento, el estudio es signo de debilidad. “Yo actuo y doy resultados inmediatos”. Pues sí, cualquiera que cuestione -los intelectuales y los científicos, la cultural liberal- es considerado traidor:

Clip de Full Metal Jacket (1987) de Stanley Kubrick.

“Congressman John Lewis should spend more time on fixing and helping his district, which is in horrible shape and falling apart (not to mention crime infested) rather than falsely complaining about the election results. All talk, talk, talk – no action or results. Sad!”

(El congresista John Lewis debería usar su tiempo intentando arreglar o ayudar a su distrito, el cual está en terrible forma y se está desmoronando – sin mencionar su problema de criminalidad -en vez de quejarse sobre los resultados de la elección. Hablar, hablar, hablar, sin acción o resulturado. ¡Triste!)

4. Rechazo al pensamiento crítico: Normalmente el pensamiento crítico no coincide con las rigurosas normas tradicionales o con los pensamientos separatistas o ultranacionalistas, ya que ninguna de estas aptitudes logran su sustento trás haber sido sujetas a un ejercicio de reflexión. El desacuerdo es traición, por ende, la duda, el cuestionamiento racional es la primera señal que dan los desertores. El fascista es incapaz de aceptar críticas o datos que develen sus errores, por lo que acusa a los medios de comunicación, periodistas o cualqueira que esté en discrepancia de calumniosos.

Clip de Fahrenheit 451 (1966) de François Truffaut.

“Any negative polls are fake news, just like the CNN, ABC, NBC polls in the election. Sorry, people want border security and extreme vetting.”

(Cualquier sondeo negativo es noticia falsa, así como los sondeos de CNN, ABC, NBC para las elecciones. Lo siento, la gente quiere seguridad en las fronteras y veto extremo.)

5. Miedo a la diferencia: El desacuerdo, las ideas contradictorias, son señal de diversidad. El eterno fascista que retrata Umberto Eco, suele comenzar sus discursos políticos, su llamamiento al pueblo, acusando a los intrusos, incriminando a las personas con creencias, apariencia o cultura distinta. El ser humano, por naturaleza, le teme a lo desconocido: el fascista recurre a acentuar este sentimiento en el pueblo. “No es racismo, es protección ante una posible amenaza”.

Clip de The Day the Earth Stood Still (1951) de Robert Wise.

“Everybody is arguing whether or not it is a BAN. Call it what you want, it is about keeping bad people (with bad intentions) out of our country!”

(Todos discuten sobre si es una prohibición total. ¡Llámenlo como quieran, se trata de mantener a las malas personas – con malas intenciones – fuera del país!)

6. Llamamiento a las clases medias frustradas: Dejemos que el mismo Umberto Eco nos explique este punto. “Una de las características de los fascismos históricos ha sido apelar a las clases medias frustradas, desvalorizadas por alguna crisis económica o humillación  política, asustadas por la presión de los grupos sociales subalternos. En nuestro tiempo, en que los viejos proletarios se están transformando en pequeña burguesía, el fascismo encontrará en esa nueva mayoría su público.” – Umberto Eco

Clip de Metropolis (1927) de Fritz Lang.

 “Today, we are not merely transferring power from one administration to another, or from one party to another — but we are transferring power from Washington, DC, and giving it back to you, the people.”

(Hoy, no solamente estamos transfiriendo poder de una administración a otra, o de un partido al otro – estamos transfiriendo el poder de Washington y devolviendoselos a ustedes, el pueblo.)

7. Obsesión por el “complot”: Como lo hemos podido apreciar, todas las características están claramente correlacionadas. El miedo a la diferencia, la cólera ocasionada por la desaprobación, el apoyo de los miembros más frustrados y poco educados de la sociedad, crea una obsesión con la conspiración hecha por parte de la oposición. El que no apoye al fascista es porque forma parte de una secreta red de “poderosos” que se conjuran en su contra.

Clip de Dr. Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb (1964) de Stanley Kubrick.

“I will be asking for a major investigation into VOTER FRAUD, including those registered to vote in two states, those who are illegal and…. even, those registered to vote who are dead (and many for a long time). Depending on results, we will strengthen up voting procedures!”

(Pediré que se haga una gran investigación sobre el FRAUDE ELECTORAL, incluyendo a aquellos que se registraron para votar en dos estados, a los ilegales e… incluso esos registrados para votar que están muertos. Dependiendo en los resultados, fortaleceremos los procedimientos de votación.)

8. Miedo al enemigo: lo desconocido causa temor, lo distinto resulta incomprensible por la falta de estudio o análisis que se le ha dedicado. Para el fascista el que es distinto religiosa, intelectual, culturalmente se convierte inmediatamente en indigno de comprensión y por ende una amenaza hacia los ideales o el estilo de vida de su nación. Por esto, Umberto Eco dice que la poca capacidad de evaluación objetiva, los condena a perder sus guerras.

Clip de Invasion of the Body Snatchers (1978) de Philip Kaufman.

“If the ban were announced with a one week notice, the bad would rush into our country during that week. A lot of bad dudes out there!”

(Si el veto se anunciara una semana antes, los malos entrarías en nuestro país esa misma semana. ¡Hay muchos tipos malos allá afuera!)

9. Antipacifismo: el pacifismo es un acuerdo de convivencia con el enemigo, por lo que no es opción para el fascista eterno retratado por Eco. La palabra “enemigo” es recurrente dentro de su vocabulario diario, así como la lucha por derrotar a ese supuesto adversario.

Clip de Return of the Jedi (1983) de Richard Marquand.

“Happy New Year to all, including to my many enemies and those who have fought me and lost so badly they just don’t know what to do. Love!”

(Feliz año nuevo a todos, incluyendo a mis muchos enemigos y a aquellos que intentaron vencerme y perdieron terriblemente, ellos no saben qué hacer. ¡Besos!)

10. Elitismo: Para el fascista existe un claro elitismo popular, nacional e ideológico. El traidor es por lo regular un depravado que no logra formar parte de ese grupo de ciudadanos moralmente superiores.

Trailer de The Riot Club (2014) de Lone Scherfig.

“The beauty in me is that I am very rich.”

(La belleza en mí recae en mi riqueza.)

11. Heroísmo: En la ideología fascista el héroe capaz de dar su vida por sus creencias, su nación o su partido político, resulta digno de respeto y de pasar a la posteridad como héroe nacional.

Clip de Captain America: the First Avenger (2011) de Joe Johnston.

“John McCain is a war hero because he was captured. I like people that weren’t captured.”

(John McCain es considerado herore porque fue capturado. A mi me gustan las personas que no han sido capturadas.)

12. Transferencia de la vonlutad de poder a cuestiones sexuales: Para el filósofo alemán Arthur Schopenhauer, la voluntad de poder es el deseo ciego del hombre por dominar la voluntad del otro. El fascista considera este deseo de poder un elemento únicamente masculino por lo que le es difícil asumir el que existan miembros del género opuesto dedicándose a la política. Existen roles establecidos para cada genero. La condena a la homosexualidad o el observar a la mujer como una mera via de satisfacción sexual, son rasgos del fascismo eterno.

Clip de G.I. Jane (1997) de Ridley Scott.

“If Hillary Clinton couldn’t satisfy her husband what makes you think she can satisfy America?”

(¿Si Hillary Clinton no pudo satisfacer a su esposo, qué te hace pensar que podrá satisfacer a los Estados Unidos?)

13. Populismo cualitativo: Uno de los métodos para ganar la atención de las mayorías es el acusar al gobierno de ya no representar la voz del pueblo.

Clip de The Triumph of the Will (1935) de Leni Riefenstahl.

“El fascismo ha sido una revolución espiritual contra todas las viejas ideologías que corrompían los sagrados principios de la religión, de la Patria y de la Familia. Como revuelta espiritual, el Fascismo ha sido expresión directa del pueblo.” – Benito Mussolini.

14. Neolengua: ¡He aquí mi favorito! Una claveal del lenguaje utilizado por los líderes fascistas recae en la pobreza de su léxico y en su sintaxis básica. Las soluciones fáciles, los adjetivos peyorativos, insultos o halagos sencillos, la falta de argumentos. Un lenguaje que no deja espacio a la reflexión, al análisis, al razonamiento crítico. Es mucho más fácil controlar a un pueblo ignorante.

Clip de Indagine su un cittadino al di sopra di ogni sospetto (1970) de Elio Petri.

En Febrero del 2016, en su discurso en Nevada, Trump proclamó su amor por ciertos grupos de la sociedad que contribuyeron a su victoria en el partido republicano. Exclamó “I love the poorly educated.”

(Amo a los que tienen bajos niveles de educación).

Como lo ha dejado ya muy claro Umberto Eco, el síntoma principal de toda característica fascista es la falta de reflexión. Esta enferma ideología política sustenta su triunfo en la ignorancia, la escasez de capacidad crítica. Maneja los instintos primarios que surgen en el ser humano en tiempos de incertidumbre económica o social: el miedo, la frustración, el sentimiento de abandono. Alimenta la nostalgia por un ayer sobrevalorado, promete acción inmediata, cambios rápidos, mejoras oportunas sin jamás decir exactamente cómo se llevarán a cabo todas esas promesas. Se alimenta del odio a las diferencias, de un absurdo sentimiento de superioridad, de ira. Sus simpatizantes aplauden eufóricos al escuchar que entre las propuestas está la de devolverles el protagonismo que algún día gozaron. – no hay sentimiento más irracional y nocivo para el ser humano que la ira.

Acusamos a los líderes fascistas de haber convencido a su pueblo con discursos brillantes, con un cañoneo incesante de propaganda. He escuchado a más de cien personas decir que Hitler fue un genio, maligno, pero un genio que logró llevar a una nación a cometer los más atroces de los crímenes. Los gobernantes no son genios que de pronto se alzan para, con mentes maquiavélicas, controlar a las masas. Los líderes no son más que el reflejo de su pueblo. En 1933 había democracia. Según el diccionario la democracia es el sistema político que defiende la soberanía del pueblo y el derecho del pueblo a elegir a sus gobernantes. Nuestra responsabilidad como miembros de un sistema democrático no es otra que la de la reflexión, libre de miedos o de ira o de doctrinas oxidadas. El cuestionarnos todas y cada una de las palabras que pronuncia un posible presidente en su campaña. El no tener solamente un punto de inflexión al momento de elegir, sino juzgar la totalidad de sus actitudes y proposiciones. Recordemos: Hitler y Mussolini fueron elegidos.

Los denominamos monstruos. Pero … ¿Quién eligió al monstruo?

Clip de The Great Dictator (1940) de Charlie Chaplin.

The Sugarland Express; la explosión de Spielberg antes del fenómeno blockbuster

David Azar: @DavidAzar93

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Es fácil asociar el nombre Steven Spielberg con una marca de Hollywood. El hombre se las sabe todas en la industria: ha roto el record de película más taquillera de la historia tres veces, con Jaws (1975), E.T. The Extraterrestrial (1982) y Jurassic Park (1993), tiene dos Oscars de Mejor Director por Schindler’s List (1993) y Saving Private Ryan (1998), y es cofundador de DreamWorks Studios; por solo describir la punta del iceberg. Steven Spielberg, por resumirlo en algo, es la viva imagen del director que, como él mismo dice, “sueña para vivir”.

Todos conocemos su nombre, todos hemos visto (y muy probablemente crecido con) alguna de sus películas, y todos reconocemos esos elementos que conforman la estética típica de su cine. Pero antes de 1975, el año en que Spielberg se lanzaría a la fama y redefiniría el concepto de blockbuster con el éxito de Jaws, el director de entonces 26 años de edad ya había realizado dos largometrajes. Después de hacer su debut como director de cine con Duel (1971), una película para la TV basada en un cuento corto de Richard Matheson, Spielberg tomó una historia real para su debut en las salas de cine: The Sugarland Express (1974).

Basada en el caso de la fugitiva Ila Fae Holiday y el policía James Kenneth Crone, la película sigue el intento de Lou-Jean (Goldie Hawn) y Clovis Poplin (William Atherton) por escapar de prisión y evadir a la ley para recuperar a su bebé que le fue asignado a una familia adoptiva. El oficial Slide (Michael Sacks) y su patrulla serán los rehenes de la pareja durante su loca travesía en el estado de Texas. El capitán Harlin Tanner (Ben Johnson) tiene la tarea de detener a los Poplin y rescatar a Slide. Los guionistas Hal Barwood y Matthew Robbins adaptaron el material y Universal Pictures le cedió un presupuesto de 3 millones de dólares a un Steven Spielberg muy joven y ambicioso.

Spielberg, Barwood y Robbins añadieron dos detalles más allá de la historia real que serían elementales para la película: la figura de Clovis Poplin (el esposo de Ila Fae Holiday no fue parte de este evento criminal) y el hecho de que la persecución policiaca se convirtiera en un evento mediático de gran magnitud. Esta última idea, que en palabras del mismo director “enciende bastante la vieja sentimentalidad americana”, junto con la disrupción familiar (los mismos padres de Spielberg se divorciaron) tendrían su origen en The Sugarland Express para después colarse como temas recurrentes a lo largo de su posterior trabajo. Incluso en las cintas que el director produce y no dirige personalmente, prevalece el tema del individuo ordinario que hace cosas extraordinarias; Lou-Jean es la encarnación de la heroína (o más bien, anti-heroína) que despierta el amor y apoyo de todos gracias a sus convicciones y esfuerzos, partiendo de un contexto súper ordinario. Este patrón muy Spielberg, tan encriptado en nosotros como audiencia, lo hemos visto en el Capitán Miller (Tom Hanks) de Saving Private Ryan, en Jim (Christian Bale) de Empire of the Sun (1987) y más recientemente en el abogado James Donovan (nuevamente Tom Hanks) en Bridge of Spies (2015). Spielberg no solo construye este sentimentalismo alrededor de Lou-Jean y su esposo Clovis, sino también en el oficial Slide, quien a lo largo de su experiencia como rehén se da la oportunidad de conocer la bondad, carisma e ingenuidad de sus secuestradores. El desenlace de la película engloba muy bien este mensaje de empatía a través de la postura de Slide en el momento de su rescate, cuando se enfrenta con el capitán Miller.

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Con sus excelentes actuaciones, divertidos diálogos y geniales secuencias de acción, The Sugarland Express fue un éxito rotundo tanto en crítica como en taquilla, y Spielberg cumplió con las expectativas de Universal Studios como buen director de cine. Su futuro pintaba prometedor, pero no fue Spielberg el único talento emergente que salió a raíz de esta cinta. El encanto visual de The Sugarland Express, sus composiciones con paisajes texanos en atardeceres rojizos, las caravanas de patrullas al son de la carretera y los claroscuros bien efectuados en los cuerpos de los personajes vienen de la cámara de Vilmos Zsigmond, el director de fotografía húngaro que posteriormente trabajaría en Close Encounters of the Third Kind (Spielberg, 1977), The Deer Hunter (Michael Cimino, 1978) y Blow Out (Brian De Palma, 1981). Otro grande que salió a flote gracias a The Sugarland Express fue John Williams, uno de los mejores compositores de música para cine y colaborador del director por más de cuarenta años de carrera, éste siendo su primer proyecto juntos.

The Sugarland Express son los cimientos de un estilo narrativo y una estética que todos como cinéfilos reconocemos, pero también es una gran película por sí sola, donde se traducen la gran ambición de un joven director y sus ganas de contar historias. La película se estrenó en el Festival de Cannes en 1974 y se llevó el premio a Mejor Guión del certamen. Hoy la recordamos como un excelente debut en el cine y punto de partida de un gran cineasta.

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Steven Spielberg y Goldie Hawn

Fuentes:

Steven Spielberg: A Journey in Film (libro de 32 páginas adjunto al “Steven Spielberg Director’s Collection [Blu-ray]”).

La La Land: una carta de amor hecha película

Natalia Martínez A: @NataliaMa2

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En Madrid hacía más frio de lo normal el día en que se estrenó el filme más esperado del año, ése del que todo el mundo habla, la película del director de Whiplash (2014), Damien Cazelle: La La Land (2016). Sabía que valía la pena dejar la calefacción de mi piso, abrirme paso entre la niebla, ser abrazada por un panorama invernal carente de color, sentir cómo las orejas se me congelan y, en fin, todo lo que involucra caminar por la calle a -3 grados centígrados, para ser testigo de la cinta que despertó el furor de la crítica y el público. Emprendí mi camino. Me senté en esa butaca, rodeada de desconocidos, para redescubrir mi amor por el cine, por la ficción, por el arte, para reanimar mis ilusiones de artista entumecidas por una vida laboral que poco juega a su favor, para reposicionar al enamoramiento como la fuerza capaz de hacernos percibir lo simple y cotidiano como algo mágico.

La La Land es la última película del anteriormente mencionado y músico frustrado, Damien Chazelle; el joven director de la premiada Whiplash (2014), que se centra en la intensa relación entre un estricto profesor de música y su alumno de batería, y Guy and Madeline on a Park Bench (2009), un musical muy al estilo de la Nouvelle Vague. El director y guionista, en cada uno de sus filmes, nos ha presentado personajes masculinos cuya principal fuerza motora es la música, el jazz.

La película nos presenta una historia que per sé no se separa mucho de la clásica estructura de un simple cuento de amor, en la que se encuentran dos artistas soñadores y frustrados: el pianista Sebastian (Ryan Gosling) y la actriz Mia (Emma Stone). Comienzan por no tolerarse, claro, para pasar después a darse cuenta de las muchas coincidencias que existen entre ambos y el valor y la fuerza que el uno le puede dar a las metas y los sueños del otro. Una base simple, una historia como muchas otras pero que se vuelve contagiosa y mágica. ¿Qué hizo, entonces, Chazelle para entregar semejante obra maestra, meritoria de 14 nominaciones a los premios de la Academia?

Al igual que la ganadora del Óscar a Mejor Película The Artist (2011), La La Land nos muestra, a través de un diseño de producción que conjuga lo vintage con lo actual, así como cortes y movimientos de cámara parecidos a los de los años 50’s, la nostalgia por una industria cinematográfica que se dedicaba más a vender fantasías musicales que a fabricar superhéroes o remakes y reboots al por mayor. En un mundo en el que la humanidad se encuentra sumida en la inextinguible testarudez por la autodestrucción; ¿Quién no va a querer sumergirse en esos mundos paralelos tan llenos de color y música? La ficción es y siempre será el mecanismo de escape por excelencia de la humanidad. La nostalgia es básica en tiempos de incertidumbre.

El casting fue otra carta muy bien jugada, y por casting nos referimos principalmente a la manera en que Emma Stone convierte a un personaje, en principio blando y carente de profundidad, en alguien complejo pero encantador, con quien cualquier otra joven aspirante a artista se podría sentir identificada. Su escena, Audition (The Fools Who Dream), es, hasta hoy, la interpretación más poderosa que ha realizado en su carrera. El septiembre pasado, Stone ganó la Copa Volpi a Mejor Actriz en el Festival de Venecia.

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Otro elemento, ya muy mencionado, es, sin lugar a dudas, la inclusión casi protagónica de la música en la narración del filme. La La Land sí es un musical, pero no encaja con las reglas del juego seguidas por la mayoría de los musicales. Gran parte de la historia trascurre fuera del plano sonoro. Es Sebastian quien, con su música, explica cuál debe ser el sentimiento del público en cada escena. Las canciones funcionan, pues, como la guía emocional del espectador. Sin embargo, no son las que narran la historia, como pasa en la mayoría de los musicales a los que estamos acostumbrados.

“La música es capaz de evocar el núcleo mismo, el núcleo de las estructuras cerebrales responsables y creadoras de nuestro universo emocional.” – Stefan Koelsch, profesor de psicología musical de la Universidad de Bergen, Noruega.

Damien Chazelle nos cautiva con su obra maestra. Nos enseña los colores tan vívidos con los que presencian el mundo los enamorados. Crea una película que se convierte en el himno de las parejas de artistas, que mano a mano, intentan realizar los sueños más descabellados. Retrata a los que idealizan, fantasean despiertos, a esos que aspiran a, con el arte, hacer de este mundo un lugar más habitable. Se la dedica, así como canta Mia, a los tontos que sueñan, a las mentes desastrosas, a los locos con corazones rotos.

“A bit of madness is key, to give us new colors to see. Who knows where it will lead us? And that’s why they need us.”

La La Land es una carta de amor al cine musical, a la música, al arte. Pero es también una carta de amor, así, a secas; Chazelle, uniendo lo anteriormente dicho y más, hace una fiel recreación de lo que es estar enamorado: la magia, las miradas, los colores, el sentir que nuestra vida se parece a las películas de ese Hollywood clásico. ¡Sí, eso fue: una carta de amor! Porque al final, todos recordamos a alguien al ver La La Land, y esa persona a la que imaginaste mientras veías el filme, es… dejémoslo así, ustedes saben lo que esa persona representa.

“Who knows? Is this the start of something wonderful? Or one more dream, that I cannot make true?”.

Los rasgos nocivos de nuestra “mexicanidad” en el cine de Luis Estrada

Natalia Martínez A: @NataliaMa2

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Antes el cine era diferente: llenaba de ilusión, exaltaba y llevaba al borde de las lágrimas a quien decidiera invertir dos horas de su ocupada jornada en una de esas butacas acartonadas. Los tiempos han cambiado. Ya no volverá Pedro Infante a cantarle a su enamorada con voz melancólica. ¿Habrá otra representación de la belleza mexicana como la del rostro de Dolores del Río? ¿Quién se atreverá a retratar nuestras nubes y paisajes como lo hizo Figueroa? Nadie parece estar interesado en contarnos ya aquellas historias llenas de folclore e indigenismo como lo hizo Emilio el Indio Fernández. La nostalgia por la tan aclamada Época de oro del cine mexicano, por esos tiempos en los que “todo era mejor”, se nos sujeta a la garganta mientras observamos cómo nuestro país se va consumiendo por las injusticias sociales, el sensacionalismo de un internet mal informado y sin argumentos, el miedo a dejar de ser la novia sometida de Estados Unidos, el nuevo PRI cuyo lema parece ser el de “saquear todo porque el 2018 seguro que no lo ganamos”, entre muchos otros dilemas.

Entonces, viéndonos rodeados por un panorama que nos hace dudar si saldremos con vida de este 2017, optamos por mirar atrás y recordar cuando las cosas eran mejores. “Ya no hacen cine así”, nos decimos y alzamos el pecho orgullosos pero melancólicos por lo que algún día fue la industria cinematográfica de nuestro país. ¿Qué es lo que hace del cine de los años 40’s y 50’s tan distinto a las crudas producciones posteriores? Su utopía. Pero recordemos que lo utópico carece de realidad.

La época del cine de oro mexicano expone, en palabras de Monsiváis, “los autos sacramentales de la sociedad”, personajes poco realistas, llenos de coraje, que aprovechan la grandeza de la tierra.

Estas películas, al igual que pasó en Hollywood, se cimentaron sobre las bases del melodrama dejando los problemas sociales como simple escenario. Aquí abundan los enfrentamientos entre el bien y el mal en los que el virtuoso resulta triunfador. La sociedad se ve reducida a un número de personajes estereotipados y a ciertos estilos de vida que caen en el cliché. Un país que convive en armonía a pesar de las abismales diferencias sociales. ¡El acentito ése! Los ambientes rurales, los trajes típicos. El macho con sombrero de charro y la mujer de trenzas largas y negras: la esencia de la “mexicanidad”.

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“Los pobres mueren como si fueran ricos, los ricos sufren por no gozar como si fueran pobres, las familias son el infierno celestial, y el amor es la única redención previa a la muerte.” – Carlos Monsiváis

El cine de la época de oro era un mural muy al estilo de Rivera, donde los miembros de esta nación tan problemática confluían en armonía y respeto, navegando con la resignación como estandarte y con la meta última de enamorarse. Siempre es mejor pasar nuestras dos horas en la butaca soñando, en lugar de despertando. Es tal vez por eso que añoramos tanto los tiempos en los que nuestro cine se caracterizaba por la belleza de una sociedad hegemónica y no una en caos. Pero una dosis de realidad nunca hace daño para caer en la cuenta de quienes somos en realidad. Un poco menos de amores prohibidos, de héroes valerosos, y más de cómo funcionan las cosas en el país es primordial para despertar nuestra conciencia tan adormecida. Para esto recomendamos tres películas incómodas de un cineasta claramente inconforme: Luis Estrada.

La Ley de Herodes (1999)

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Culpamos al gobierno de todas nuestras penas e infortunios, pero: si el gobernador te pidiera incorporarte al partido para hacerte el presidente municipal de tu pueblo, ¿qué harías? Y… ¿Cuánto robarías? Fue eso lo que le pasó al personaje principal de esta película. A Juan Vargas (Damián Alcázar) le ofrecen ser el nuevo presidente municipal de San Pedro de los Saguaros. “Modernidad, paz, progreso y justicia social” entona al tomar posesión, creyéndose cada palabra.

“Esto no es una dictadura. No, no, no, perdónenme. Si para eso hicimos una revolución. En este país el voto se respeta, no es nuestra culpa que la gente siempre vote por mi partido.” – Juan Vargas, La Ley de Herodes.

Al poco tiempo, el pobre, se da cuenta de lo corrompido que está el sistema. Y por sistema no nos referimos únicamente a los gobernantes, sino al padrecito del pueblo, al prostíbulo y a la manera de resolver problemas por los habitantes de San Pedro de los Saguaros. Juan Vargas entiende que la cosa en el país funciona según la Ley de Herodes: O te chingas, o te jodes. Recordemos que Herodes llega a la corona por medio de la sangrienta persecución de la antigua familia reinante para así quedarse en el trono. ¿Qué fue capaz de cometer un partido para consolidarse como la única opción política? ¿Y si tú fueras parte de ese partido en el poder, qué tanto hubieras concedido para que no se te quite de tu puesto?

“Recuerda que en este país el que no tranza, no avanza” – el gobernador Sánchez, La Ley de Herodes.

En 1999, el año de su estreno, se intentó vetar la película, por lo que renunció Eduardo Amerena a su puesto como director del Instituto Mexicano de Cinematografía, lo cual, obviamente, llevó al filme a ser uno de los más taquilleros de la historia. Podríamos decir que con este estreno dimos el primer paso hacia la liberación de una censura a la que llevábamos esposados más de 70 años.

El Infierno (2010)

“Esa guerra contra el narco ha dejado más muertos que la revolución.” – El Infierno

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Volvemos a lo mismo, pasar dos horas en una butaca para asumir que el país se encuentra secuestrado por la violencia no es fácil, pero sí necesario. Con dosis de sarcasmo y un humor muy negro, Luis Estrada nos muestra lo que es crecer y vivir en un rancho sumido en la pobreza y la negligencia en el que la única manera de ganar algo de dinero es vendiéndole tu alma al capo de alguno de los cárteles de la zona.

El filme narra el regreso de Benjamín García (otra vez Damián Alcázar) de los Estados Unidos a su pueblo San Miguel Narcángel con la ilusión de montarse, con sus ahorraditos, un negocio y ponerse a trabajar. Al volver nada es como él recordaba: la pequeña empresa en el país ya no subsiste, su rancho se ve conquistado por una ola de terror y muerte y la única manera de salir adelante es sumándose al crimen organizado.

El país es incapaz de proveer oportunidades de superación por medio de calidad educativa, trabajo y salarios dignos, a un elevado porcentaje de la población. Con decir que el 43% de los mexicanos de 15 años o más no cuenta con la educación básica completa. El gobierno, en lugar de erradicar el problema desde la raíz, opta por comenzar una “guerra contra el narcotráfico”. El infierno nos muestra la tan cruda realidad de las comunidades marginadas, rezagadas, esas a las que tantos no miran porque irritan. La vida desde el punto de vista del narcotraficante al que no le quedó de otra más que desmoralizarse por completo para así lograr darle de comer a sus cinco hijos, como es el caso del Cochiloco, un padre amoroso pero capaz de matar a su hermano. “En esta vida a todo se acostumbra uno, menos a no comer.”

En el 2014 el Instituto Internacional de Estudios Estratégicos de Londres nos posicionó como el tercer país con más muertos por conflictos armados en el mundo. En el 2016 batimos record, según el reporte del Sistema Nacional de Seguridad Pública (SNSP), en el país hay 56 asesinatos por día.

En el bicentenario de nuestra independencia Luis Estrada lanza esta película cuestionándonos: ¿Hay algo que celebrar?

La dictadura perfecta (2014)

El título de la película hace referencia a la manera en que describió Marío Vargas Llosa al país en cadena nacional el 30 de agosto de 1990.

“La dictadura perfecta no es el comunismo, no es la unión soviética, no es Fidel Castro, es México, porque es la dictadura camuflada de tal modo que parece no ser una dictadura, pero que tiene, si uno escarba, todas las características de una dictadura: la permanencia de un partido inamovible.” – Marío Vargas Llosa

Un cuarto de siglo después de las declaraciones del Premio Nobel de Literatura, en el 2014, se estrena este filme y utiliza como título la denominación de Vargas Llosa a nuestro país: “La dictadura perfecta”. La última película de Luis Estrada no ha sido un éxito para la crítica especializada. No obstante, a pesar de la opiniones encontradas, el filme saca a relucir algunos elementos que hay que tomar en cuenta.

Estrada señala la mancuerna que utilizan los dictadores y la principal cadena de televisión de nuestro país para influir en la opinión pública y el voto de la población: ese sensacionalismo mediático tan barato con el que los políticos tapan sus errores y muestran sus escasas gracias. El melodrama telenovelezco hecho noticiero. En el filme Carmelo Vargas (Damián Alcázar, para no variar) en el afán de lavar su imagen firma un costoso contrato con la principal empresa televisiva de México. Así los medios se dedican a distraer al público de sus actos de corrupción y destruir a la oposición.

El filme atina en retratar el miedo tan poco fundamentado que se respira del norte al sur de la nación, señalar el creciente número de líderes de opinión que en vez de utilizar la verdad o el argumento como medida de valor usan la viralidad, nuestra afición por el escándalo por encima de la justicia y cómo el gobierno y los medios de comunicación se aprovechan de esto para prevalecer en el poder.

Por encima de su caricaturización y sus lugares comunes, esta cinta se encarga de desnudar a ese nuevo-viejo PRI que regresa a la silla presidencial con una Ley de Herodes renovada para que parezca estar ad hoc a los tiempos del Facebook.

Cubrirse los ojos con la venda de la nostalgia por un ayer sobrevalorado para evitar postrarnos ante nuestro escalofriante presente es fácil. Queremos ser ese pueblo de charros y de adelitas, de ideales revolucionarios con las ilusiones de la época de oro del cine mexicano. Abrir los ojos, caminar conscientes del bagaje tan vergonzoso que como mexicanos nos corresponde a todos y cada uno, siempre resulta mucho más difícil. Para dejar a un lado nuestras obsesiones y carencias, es necesario sobrepasar la etapa de negación colectiva en la que nos encontramos (nuestro constante creer que la culpa la tiene el de arriba o el de abajo o el de alado, pero nunca yo). Son necesarias las historias que no intenten cubrir los baches de nuestra sociedad con tintes de conformismo, con estereotipos simples y vidas quiméricas. Una dosis de realidad cinematográfica, de humor negro, de sarcasmo, de ironía política, puede ser un buen primer paso hacia la autoevaluación: ¿Ponemos de nuestra parte para que prevalezca la Ley de Herodes mexicana? ¿Cuánto seriamos capaz de auxiliar a la corrupción con tal de llevarnos una mochadita? ¿Qué tanto ignoramos o colaboramos en que la inequidad del país continúe nutriendo con personal al crimen organizado? ¿Qué hacemos para cambiar todo lo que nos muestra Estrada en su cine, aparte de subirnos al tren del altruismo cibernético con cada share o cada tuit pseudo-humanitario y poco objetado? Si formáramos parte del grupo que ahora gobierna este país, ¿Seríamos tan cínicos y desvergonzados como ellos?

El cine de Estrada es, al contrario de la época del cine de oro, pesimista. Retrata, sin maquillaje, a un país que se encuentra hundido en un caos cíclico y constante. Sin embargo, la realidad no siempre tiene que ir orientada al pesimismo: ojalá la próxima película de Luis Estrada contenga aunque sea un poquito de esperanza, pero, bueno, eso no depende más que de nosotros.

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Hip-Hop Evolution: un vistazo a las raíces y progresión de un gran movimiento cultural

David Azar: @DavidAzar93

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A principios del desastroso año pasado, un proyecto documental se estrenó primero como largometraje en el Hot Docs International Documentary Festival de Toronto, para luego colarse por las pantallas caseras de Netflix en un formato un poco más extenso. Hip-Hop Evolution (2016) es una serie documental conformada por cuatro capítulos (46-48 min. cada uno) que narra la historia y evolución de una de las subculturas urbanas más influyentes del siglo XX. Curiosamente, el Hip-Hop tiene su origen en un movimiento artístico que nace de un sector reprimido de la sociedad; en el Nueva York de los 70’s, la clase alta bailaba Disco en lujosos uptown venues, mientras en el sur del Bronx, partiendo de la música Funk, se comenzaba a gestar una expresión artística a base de ingenios que van desde lo tecnológico hasta lo narrativo.

El rapero canadiense Shadrach Kabango, mejor conocido como Shad, es nuestro guía a lo largo de este viaje, al mismo tiempo que teje una cronología histórica del Hip-Hop: de puerta en puerta y de estudio en estudio. Shad entrevista a los mismos pioneros que construyeron los cimientos del género. El documental recopila testimonios en carne viva de leyendas como DJ Kool Herc, Grandmaster Flash, Russell Simmons; opiniones de especialistas e historiadores como Nelson George y Bill Adler; e ídolos modernos como Big Daddy Kane, Darryl McDaniels (de Run-DMC) y Ice-T, entre mucho otros. En fin, una joya de acervo histórico.

Hoy en día, el Hip-Hop constituye todo un evento mediático y popular; está arraigado en el mainstream y siempre latente en casi todos los rincones de la música pop y la moda actual. Todo el espectro que abarca esta subcultura es inmenso, y la oportunidad de echar un vistazo a sus raíces históricas, tecnológicas, sociales y artísticas a través de tres horas de excelente contenido musical no sólo ayuda a entender y apreciar más el universo del Hip-Hop, sino que también es una experiencia cinematográfica muy gratificante. Si actualmente raperos como Kendrick Lamar, J. Cole o Childish Gambino están sonando en sus audífonos, lo apreciarán aún más.

Bajo la dirección de Darby Wheeler, Sam Dunn y Scot McFadyen, Hip-Hop Evolution dibuja un cuadro analítico muy general, pero ideal para cualquier interesado en el tema de la historia musical, no sólo para los expertos y seguidores del Rap, el Graffitti, el DJing y el Break dancing. Como cierre, les compartimos el enlace para ver el documental aquí (Netflix)y una joyita del Gangsta Rap: