Suicide Squad: La promesa suicida de DC

Jorge Durán: @JEDZ1138

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Suicide Squad (2016) debería representar una bocanada de aire fresco dentro del DCEU (DC Extended Universe). Todo el marketing, trailers, TV spots y pósters prometían una historia llena de irreverencia, originalidad y un toque de locura, todo envuelto en una estética visual nunca antes vista dentro del género de superhéroes. Sin duda alguna, el diseño construido y promovido por Warner Bros. y DC pagaría con intereses a todos los involucrados: las proyecciones de la industria retrataban a Suicide Squad como una cinta con gran potencial financiero. Tan sólo en su primer fin de semana de exhibición Suicide Squad registró un ingreso en taquilla doméstica de $133.6 MDD. De acuerdo a deadline.com, esto representaría una de las aperturas en taquilla más fuertes del año (sólo comparada con Captain America: Civil War (2016) – $179.1 MDD, Batman V Superman (2016) – $ 166 MDD y Finding Dory (2016) – $ 135.06 MDD). Adicionalmente, ‘Suicide Squad’ tiene el honor de ser la apertura más grande para el mes de agosto (superando a Guardians of the Galaxy en 2014).

Sin embargo, el resultado final de Suicide Squad dista bastante de su promesa y, dolorosamente, más aún de su potencial. La estructura es el resultado de visiones distintas y una respuesta, aparentemente desesperada, por parte de un estudio que insiste en tratar de complacer a todos y cada uno de sus fans sin definir una estrategia coherente. THR reportó, hace sólo unos días, los obstáculos detrás de la producción y las adversidades que el producto final enfrentó antes de su estreno: la competencia entre cortes distintos, por parte del director David Ayer y por parte de WB, y un guión desarrollado en sólo 6 semanas para tratar de cumplir con una fecha de estreno previamente programada. Los resultados de este caótico desarrollo son evidentes y se reflejan en una película que se esfuerza demasiado por querer ser algo nuevo, para terminar fallando en el intento.

La cinta inicia con Amanda Waller (Viola Davis), un personaje de alto rango dentro de la agencia ARGUS, tratando de justificar la creación de un equipo de “meta-humanos” destinado a enfrentar amenazas extraordinarias. Buscando la aprobación del gobierno de los EE.UU., Waller utiliza las consecuencias de los eventos retratados en Batman V Superman (2016) como razón suficiente para dar luz verde a su propuesta. Es así como “lo peor de lo peor” son la única respuesta ante una inminente y muy probable amenaza.

El primer acto de Suicide Squad es el más fluido de toda la estructura; nos introduce a cada uno de los potenciales reclutas del “Escuadrón Suicida” -ó “Task Force X”-, todo apoyado con un soundtrack que cualquier producción soñaría con poder financiar (The Rolling Stones, Creedence, Clearwater Revival, Norman Greenbaum y Queen son sólo algunos de los talentos que los realizadores seleccionaron para tratar de ambientar y tejer los 123 min. de duración). A pesar de una ágil narrativa para introducir a una galería de villanos -Deadshot (Will Smith), Harley Quinn (Margot Robbie), Enchantress (Cara Delevingne), El Diablo (Jay Hernandez), Killer Croc (Adewale Akinnuoye-Agbaje) y Captain Boomerang (Jai Courtney)-, los mismos son presentados en un formato que deja en evidencia una falta de desarrollo de personaje y se convierte simplemente en un montaje que busca ponernos al corriente más que introducirnos a individuos que estamos conociendo por primera vez, todo apoyado con una serie de textos estilizados que únicamente dejan claro un completo dominio de After Effects.

La cinta carece de una explicación básica de quién son realmente estos individuos, del por qué son esenciales dentro del “Escuadrón Suicida” y por consiguiente dentro de la misión principal (sobre eso, más adelante), a pesar de que cada integrante del grupo cuenta con una habilidad extraordinaria. La mejor prueba de esta falta de desarrollo puede ejemplificarse en Harley Quinn (Margot Robbie). Quinn es un personaje icónico y destacado desde su creación en 1992 (para muchos fanáticos, el rostro principal del Escuadrón) y en esta versión cinematográfica queda limitado por una serie de flashbacks que tratan de enfatizar muy brevemente su obsesión con Joker (Jared Leto). No existe un sentido real de quién fue antes de su encuentro con el “Principe Payaso del Crimen” o qué elementos de su personalidad fueron comprometidos a causa de esta tóxica relación. Harley Quinn ha logrado establecerse com un ícono a lo largo de 24 años por definirse como algo más que “la pareja de Joker”. Lo que David Ayer nos proporciona son sólo fragmentos, piezas incompletas. Exploremos por un momento la cinta Batman: Assault on Arkham (una sólida pieza de ‘DC Animated Original Movies’ que hace uso de las mismas bases de Suicide Squad con un resultado más satisfactorio). En el largometraje animado, dirigido por Jay Oliva y Ethan Spaulding, Harley Quinn es un activo importante y es merecedora de un lugar dentro del “Escuadrón Suicida” por su conocimiento absoluto de Arkham, ayudando a impulsar el desarrollo de la historia. Y aunque la presencia de Harley Quinn en ‘Suicida Squad’ trata de ser cimentada otorgándole un papel importante en el climax final de la historia, es evidente la falta de argumentos para justificar su presencia. Lamentablemente, parece que la participación de Harley Quinn es sólo una excusa para sustentar la presencia de Joker (cuya aportación narrativa es básicamente nula). A pesar de estos obstáculos, Margot Robbie triunfa y logra explorar un rango de emociones que puede expandirse en futuros proyectos. El carisma y la ejecución en la actuación de Robbie rescatan a un respetado y aclamado personaje de un contexto incoherente.

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Robbie se une a Viola Davis y a Will Smith como las piezas excepcionales de la cinta. En un proyecto que padece de una edición claramente ineficiente y un guión disperso, es realmente necesario resaltar la actuación de este trio. Davis se impone y se adueña del papel de Amanda Waller con una autoridad perfecta. Ella es la única persona capaz de dominar y mantener al margen a este grupo de criminales con el poder de un gesto. Waller otorga la base y cimientos que la película desesperadamente necesita. Deadshot, un letal y preciso asesino a sueldo, está escrito para funcionar como la brújula moral dentro de la historia, al otorgarle una “luz al final del túnel” (una hija que lo ama a pesar de su estilo de vida). Definitivamente es el personaje con el arco narrativo más completo, de existir alguno. Will Smith logra reafirmar su lugar como estrella de Hollywood (después de repetidas introducciones del mismo personaje). Floyd Lawton AKA Deadshot es un personaje que busca redención por encima de cumplir con una misión y Smith logra empatar con la audiencia, generando la emoción que el papel demanda.

¿Cuál es la inminente amenaza que amerita las acciones de un equipo del calibre del “Escuadrón Suicida”? Y con esta pregunta inicia el problema más alarmante de Suicide Squad (y el más inaceptable). El surgimiento del antagonista principal, Enchantress (Cara Delevingne) -acompañada de su hermano Incubus-, representa el último clavo en el ataúd para este decepcionante proyecto. Perdonemos por un momento la presencia olvidable de personajes como Joker, Rick Flag o Captain Boomerang, la incongruencia en varios puntos de la historia y en las acciones de diversos individuos, las restricciones de una clasificación PG-13 y la ineficiente edición. Lo que es realmente ofensivo es la presentación de un villano carente de sentido, motivación y razón de ser. Enchantress se convertirá en un referente de ineficiencia en la historia del género y será recordada como uno de los peores villanos que el cine de superhéroes haya podido ofrecer. Estamos hablando de un nivel de calidad sólo comparable con Green Lantern (2011) y Fantastic Four (2015). Enchantress e Incubus son seres ancestrales que, por alguna vaga razón, intentan destruir a la humanidad a través de una “máquina” (manifestada como un haz de luz). No hay un sentido en sus acciones o un fin claro que los impulse. Y no mencionemos el ejército zombie (comparable en diseño con Toxie de ‘Toxic Crusaders’) encargado de destruir una ciudad completa mientras su líder, Enchantress, baila frente a la máquina del fin del mundo. Como resultado tenemos una confrontación final sin emoción alguna y con efectos visuales extremadamente deficientes (considerando el presupuesto reportado de 175 MDD). El producto final no nos compromete en lo absoluto. En ningún momento consideramos el posible fracaso de nuestros “villanos redimidos” (tampoco estamos ansiosos por su éxito).

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Mucho se ha escrito de Suicide Squad y de la aparente posición parcial por parte de la crítica, favoreciendo a las producciones de Marvel Studios. Y mucho más aún se ha desarrollado a raíz de la desproporcionada actitud de varios fanáticos cegados por un producto fallido, (simplemente recordemos la propuesta anunciada la semana pasada por un grupo de “fanboys” para cerrar el sitio Rotten Tomatoes, quien no ejerce ninguna opinión personal sino recopila críticas de diversos medios). La realidad es que el potencial y el concepto de Suicide Squad se quedan obstaculizados por una ejecución muy desequilibrada y llena de ideas que pudieron evolucionar para bien bajo otras condiciones. Al tratar de crear algo fresco, WB termina presentando una amalgama deficiente de proyectos como Deadpool (2016) o Guardians of the Galaxy (2014). David Ayer es un sólido director con obras como End of Watch (2012) y Fury (2014) en su filmografía, y con créditos como guionista en trabajos como Training Day (2001). Podemos entonces concluir que las fallas de Suicide Squad son el significado de un problema interno y de un estudio incapaz de aprender de sus errores y preocupado por una competencia por atraer más audiencia que el estudio rival en lugar de enfocarse en el valioso material que tiene en su poder. El éxito registrado en taquilla podría representar un argumento más en la interminable discusión de “crítica vs. audiencia”. Por ahora, parece que la historia de Batman V Superman vuelve a repetirse: Una cinta que no cumple con las expectativas prometidas generando división entre las masas, posicionándose como una ganadora el primer fin de semana de exhibición para después hundirse en taquilla (Batman V Superman reporto una caída de del 69% entre su primera y segunda semana de exhibición). Será interesante seguir el desempeño de Suicide Squad en los próximos días.

Como un fanático más del género puedo decir que no importa el logotipo del estudio antes de cada función, llámese Marvel o DC. Mi interés (y mi dinero) se deposita en la mejor narrativa. Todo se resume en saber contar una buena historia y en la confianza que se deposita en el realizador y en el material que se adapta. El cine es un medio enteramente colaborativo, y una película se construye con la aportación de cientos de individuos y la confianza que se deposita en ellos para entregar el mejor resultado posible. Ver el último acto de Suicide Squad es frustrante porque demerita el trabajo que se ha realizado durante los últimos 15 años para fortalecer un género que ha luchado por solidificarse. Depositemos nuestra esperanza en que las lecciones hayan sido aprendidas.

La enorme maquinaria de Marvel Studios

Jorge Durán: @JEDZ1138

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‘Captain America: Civil War’ no sólo representa la apertura de una nueva fase para Marvel, tampoco puede definirse únicamente como la 13va. cinta dentro del Universo Cinematográfico Marvel (MCU, por sus siglas en inglés), ‘Civil War’ se puede describir como una de las entradas más ambiciosas y revitalizadoras dentro de la maquinaria de Marvel Studios y es el mejor ejemplo de lo entretenido, fantástico y creativo que puede llegar a ser el siempre criticado pero jamás igualado género de cintas de superhéroes.

Marvel ha solidificado su presencia y estilo a lo largo de 8 años, iniciando con ‘Iron Man’ en 2008. Lo que Jon Favreau (director) y Kevin Feige (co-productor) iniciaron definió los cimientos de Marvel Studios, originando una de las sagas más valoradas dentro de la industria. El Universo Cinematográfico Marvel ha buscado ser replicado con resultados mixtos o ideas cuestionables (desde Warner Bros. con el roster de DC Comics, pasando por Paramount con el Universo Hasbro y recientemente Universal con el Universo de Monstruos Clásicos) lo que ha originado la creencia de una “fórmula secreta” para explicar la notoriedad de las producciones Marvel entre las cabezas de los estudios rivales. El éxito del MCU no puede resumirse únicamente a su desempeño en taquilla (esta semana, gracias al saludable desarrollo de ‘Civil War’, el MCU -13 largometrajes- alcanzó la cifra de 10 billones de dólares, de acuerdo a deadline.com), este resultado tiene que ser interpretado y medido por la satisfacción entre fanáticos, cinéfilos y público en general, pero esa satisfacción, ese sello Marvel, ha sido el resultado de un exhaustivo proceso.

El  triunfo de Marvel se debe a una combinación de diferentes factores, iniciando con la inclusión de Louis D’Esposito y Kevin Feige como las cabezas de Marvel. Feige no sólo es el presidente de Marvel Studios (desde 2007), sino que ha producido o co-producido cada una de las cintas dentro del MCU. Adicionalmente, ha jugado un papel activo y decisivo dentro de cada uno de los proyectos del estudio. La planeación de Feige ha proporcionado una coherencia que fortalece el término “Universo Cinematográfico”. Su visión como arquitecto del universo Marvel ha generado un espina dorsal que ha servido como estructura para futuros proyectos dentro del mismo estudio. El peso de Feige se combinó con el talento de directores de la talla de Jon Favreau (‘Iron Man’, ‘Iron Man 2’), Joe Johnston (‘Captain America: The First Avenger’) y Kenneth Branagh (‘Thor’) para dar vida a la “Fase I” del MCU, culminando con ‘The Avengers’ de Joss Whedon. “La Fase II” del MCU no solo presentó la adición de nuevos y creativos directores, como Shane Black (‘Iron Man 3’) y James Gunn (‘Guardians of the Galaxy’), también ofreció la oportunidad de proyectar y descubrir cierta agudeza fílmica en nuevos directores como los hermanos Anthony y Joe Russo, cuyos antecedentes en la TV demostraron ser clave para generar una de las cintas más aclamadas dentro del MCU: ‘Captain America: Winter Soldier’. Y aunque se han presentado discutibles eslabones débiles dentro de esta serie de proyectos (‘Thor: The Dark World’) y controversias dentro del estudio (la salida del director Edgar Wright en ‘Ant-Man’), Marvel ha sabido definir y planear una línea de tiempo clara sin comprometer los arcos narrativos o el desarrollo individual de sus personajes.

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Kevin Feige

El compromiso de Marvel con el entendimiento de sus propiedades va mas allá de la exhibición de secuencias de acción o un reparto excepcional. Marvel ha entendido el peso cultural y emocional de cada personaje que adapta. No teme explorar o reinventarse con cada nueva entrada; ha sabido ser entretenido y al mismo tiempo ofrecer un acercamiento original de sus personajes. Todo lo anterior sólo se puede lograr con un ambiente colaborativo. Retomando la estructura creativa dentro del estudio que mencionábamos anteriormente, hay que señalar que Feige es la parte, una gran parte, de una compleja ecuación. Recientemente, David Faraci (via birthmoviesdeath.com), en relación al éxito de la nueva “Fase III” del MCU y al reciente triunfo de ‘Captain America: Civil War’, destacó el fenómeno conocido como “Marvel Bullpen”.

El “Marvel Bullpen” fue desarrollado en las oficinas de Marvel Comics en la década de 1960, donde editores, productores, artistas y guionistas dentro de la publicación se reunían en un gran espacio abierto, listos para arrojar ideas y conceptos, además de recibir sugerencias y consejos de sus obras. Esto generó un ambiente de colaboración y creatividad pura dentro de las oficinas. Este mismo concepto ha empezado a ser adoptado dentro de las oficinas de Marvel Studios en Burbank, Ca., complementando la idea unificadora bajo la visión de Feige. En ese mismo artículo, se menciona al director Peyton Reed (‘Ant-Man’) señalar la interacción entre directores y escritores de varios proyectos. Ver a directores como Taika Waititi y Scott Derrickson discutir en el pasillo de las oficinas sus futuras cintas (‘Thor: Ragnarok’ y ‘Doctor Strange’, respectivamente) o simplemente conversar con James Gunn durante la comida acerca de sus planes. “Es increíble tener a Ryan Coogler en la oficina junto a la mía“, recalca Reed en relación al director de ‘Black Panther’.

Todo lo anterior se refleja en la pantalla y culmina en un trabajo como ‘Civil War’, donde la herencia de trabajos previos convergen para revitalizar el futuro del MCU. El peso de un símbolo, de un uniforme, de un personaje, evoca un legado y un significado emocional que toca fibras personales en cada uno de nosotros; Marvel entiende eso mejor que nadie en la industria. y los alcances de Marvel Comics dentro del MCU, no se limitan a un formato o un medio en específico. El poder de Marvel se ha traducido en excelentes series de TV, bajo la coordinación de Jeph Loeb en Marvel Television, como ‘Daredevil’ y ‘Jessica Jones’ dentro de nuevas plataformas como Netflix. Y aunque ha encontrado dificultades para establecer su lugar con proyectos más convencionales como ‘Marvel’s Agents of S.H.I.E.L.D.’ y ‘Marvel’s Agent Carter’, la unidad  y congruencia del Universo Cinematográfico de Marvel se mantiene intacta y cada vez más fuerte. A todo lo anterior se suman cortometrajes distribuidos en video o “direct-to-video” (Marvel One-Shot) que tejen y exploran aún más este Universo. El porvenir de Marvel se ve prometedor y más aún entendiendo cómo funcionan los engranes de esta impresionante maquinaria. Podemos enfatizar que no existe una “fórmula secreta” en las oficinas de Marvel, tampoco existen salidas fáciles, el estatus de Marvel ha significado tropiezos previos y adaptaciones deficientes, sin mencionar las batallas internas. Y aunque las propiedades de Marvel se han repartido a diversos estudios, previo a la formación de Marvel Studios (e.g. Fox & X-Men, Sony & Spider-Man, etc.), el sello característico que ha reforzado personajes como ‘Iron-Man’, ‘Captain America’, ‘Thor’ y ‘Hulk’ es único.

Para concluir el repaso del MCU hasta ahora, y en espera de lo que viene en los próximos años para complementar este longevo proyecto, les compartimos la siguiente lista del orden cronológico de todo el Universo Cinematográfico de Marvel, cortesía de la página web ‘Tech Times’ (www.techtimes.com). Aprovechamos el verano que apenas empieza para invitarles, o incluso retarles, a degustar del MCU con todos y cada uno de los productos pertenecientes al mismo. Disfruten:

Captain America: The First Avenger (Film)

Agent Carter (One-Shot en el Blu-Ray de Iron Man 3)

Agent Carter (Serie TV: Temporadas 1-2)

Iron Man (Film)

Iron Man 2 (Film)

A Funny Thing Happened on the Way to Thor’s Hammer (One-Shot en el Blu-Ray de Captain America: The First Avenger)

Thor (Film)

The Incredible Hulk (2008 Film)

The Consultant (One-Shot en el Blu-Ray de Thor)

The Avengers (Film)

Item 47 (One-Shot en el Blu-Ray de The Avengers)

Iron Man 3 (Film)

Agents of SHIELD (Serie TV: Temporada 1, Episodios 1-7)

All Hail The King (One-Shot en el Blu-Ray de Thor 2: The Dark World y formato digital)

Thor 2: The Dark World (Film)

Agents of SHIELD (Serie TV: Temporada 1, Episodios 8-16)

Captain America: The Winter Soldier (Film)

Agents of SHIELD (Serie TV: Temporada 1, Episodios 17-22)

Guardians of the Galaxy (Film)

Daredevil (Serie Netflix: Temporada 1)

Jessica Jones  (Serie Netflix: Temporada 1)

Daredevil (Serie Netflix: Temporada 2)

Agents of SHIELD (Serie TV: Temporada 2, Episodios 1-19)

Avengers: Age of Ultron (Film)

Ant-Man (Film)

Agents of SHIELD (Serie TV: Temporada 2, Episodios 20-22)

Agents of SHIELD (Serie TV: Temporada 3, Episodios 1-19)

Captain America: Civil War (Film)

Agents of SHIELD (Serie TV: Temporada 3, Episodios 20-22)

Fuente: http://www.techtimes.com/articles/48613/20150424/how-to-watch-the-full-marvel-cinematic-universe-in-order.htm

Anomalía, una animación muy humana

David Azar: @DavidAzar93

ANOMALISA

Desafortunadamente, muchos espectadores vivimos dentro del paradigma de que el cine de animación es una técnica cinematográfica de connotación infantil, y aunque muchos estudios, incluyendo el mismísimo Pixar Animation, han demostrado lo opuesto en varias ocasiones, esta idea prevalece. Muchas veces preferimos pasar por alto películas de animación, se las dejamos a los niños, y ese mismo número de veces podemos perdernos excelentes historias contadas por medio de técnicas visuales impresionantes. Deberíamos darnos el gusto de disfrutar más del mundo animado, pues la variedad ya existe. Yo en lo personal les recomiendo mucho las aportaciones del estudio japonés de animación Ghibli Studios, fundado por el artista de animación y genio Hayao Miyazaki, en 1985.

El año pasado, el Festival Internacional de Cine de Venecia otorgó el gran premio del jurado a una cinta de animación. Se trata de Anomalisa (2015), el nuevo proyecto cinematográfico de Charlie Kaufman, en co-dirección con el animador Duke Johnson. Kaufman es famoso en el mundo del cine por sus guiones con narración abstracta, en los que siempre trata la angustia del ser humano como producto de sus crisis existenciales. La síntesis del cine de Kaufman, podríamos decir, es la del personaje principal como un sujeto incomprendido por la sociedad, cuando en realidad lo que nos quiere transmitir el guionista es que todos somos ese sujeto, pues todos gozamos de esas características humanas, o más bien defectos, que nos hacen seres complejamente imperfectos y absurdos. Anomalisa no es la excepción de la regla, sino la reafirmación de la firma de Kaufman, y esta vez el cineasta optó por colaborar con Johnson (conocido principalmente por la serie animada Mary Shelley’s Frankenhole) para contar su historia por medio de la técnica de animación de stop-motion.

Anomalisa cuenta la historia de la depresión y alienación de un miserable y un tanto famoso autor de libros de auto-ayuda llamado Michael Stone (David Thewlis), quien en un plazo de dos días conoce a Lisa (Jennifer Jason Leigh) y todo parece cambiar en su vida para bien. Así comienza esta magnifica historia que –ojo- de feliz no tiene mucho. Más bien se trata de la inalcanzable búsqueda de un individuo por la respuesta de la insatisfacción que le provoca la sociedad, de esa monotonía que el resto de la gente le refleja y el hartazgo que le ocasiona, incluyendo su propia familia. Esta idea es brillantemente representada con Tom Noonan interpretando las voces del resto de los personajes de la película.

En cuanto al aspecto técnico del proyecto, bueno, se podrán imaginar los meses depositados de excesiva paciencia y trabajo arduo para llegar a simular por medio de títeres una película que trata de evocar la realidad tal y como se nos presenta. Johnson cuenta que tan solo la escena de sexo le tomó seis meses poder animarla de manera que se vea realista y no cómica. La película estaba planeada como un cortometraje, con una duración de aproximadamente 40 minutos, pero el proyecto despegó la creatividad de estos artistas lo cual les inspiró hacer un largometraje. Para una idea más pictórica del proceso de realización de Anomalisa, les compartimos el siguiente video (cortesía de Movie Clips):

El golpe lo da la película justo al final con la estrategia de construir de poco a poco la historia en torno a dudas y situaciones aparentemente sin fundamento, para luego darnos una bofetada cargada de cabos atados. Kaufman cierra su obra maestra con la idea más desgarradora y probable síntesis de la película: se trata de un ciclo vicioso que estamos condenados a repetir el resto de nuestras vidas.

Mustang; la poesía de un crecimiento enjaulado

David Azar: @DavidAzar93

Mustang

A pesar de la opinión pública y profesional acerca de la falta de expectativa en los nominados al Óscar este año (a excepción del ruido que han creado cintas como The Revenant y Mad Max: Fury Road), hay una categoría que luce muy bien y, curiosamente, se luce por medio de su noción internacional: los filmes nominados a Mejor Película Extranjera.

Sin embargo, se trata de una categoría cantadísima; se apuesta a lo seguro que la representante de Hungría Son of Saul (László Nemes, 2015) será la ganadora de la estatuilla dorada. Nemes triunfó en Cannes con este poderoso debut acerca del Holocausto, un tema que ha sido fetiche de la Academia, llevándose el premio del jurado. De igual manera, el resto de las nominadas fueron muy bien recibidas en distintos festivales alrededor del mundo, destacando en especial dos filmes: la colombiana El abrazo de la serpiente (Ciro Guerra, 2015) y la película a analizar en este texto, Mustang (Deniz Gamze Ergüven, 2015). Las dos películas restantes en obtener la nominación son Theeb (Naji Abu Nowar, 2014) de Jordania y A War (Tobias Lindholm, 2015) de Dinamarca. Al igual que con Son of Saul, Mustang es un debut de dirección y tuvo su estreno en el marco del Festival de Cannes el año pasado, en la sección Quinzaine des Réalisateurs.

La película es una coproducción entre Turquía, Francia y Alemania, y cuenta la historia de cinco hermanas huérfanas que viven con su abuela y su tío en la Turquía rural, victimas de la cultura conservadora que ha prevalecido en la región generación tras generación. En un primer plano, podríamos decir que se trata de un melodrama juvenil el cual tiene como motor central la rebeldía y oposición a la ideología anticuada de la sociedad, pero Mustang toca fibras más sensibles por medio de temas aún más universales como la frustración y estrés de un infante y el aprendizaje de conductas en el núcleo familiar. Es de esta manera que podemos hablar de Lale, la hermana menor de las cinco niñas (interpretada por la genial Günes Sensoy), como el personaje central de la obra, el punto de vista predominante. Al ser la más chica de las hermanas, Lale observa muy de cerca el significado de crecimiento dentro de la cultura a la que pertenece: el casamiento obligado de cada una de sus hermanas, el contexto machista de su sociedad y la doctrina conservadora que su abuela predica, entre otras cosas más. Sus hermanas mayores son también personajes individualmente construidos, con sus propias motivaciones y conflictos, y no sirven tan solo como un molde para comprender y definir al personaje de Lale, pero es cierto que gracias a sus experiencias Lale comprende la vida y enfrenta sus dilemas.

Por supuesto que presenciamos una película que trata distintos matices de la sororidad, pero si fijamos más la reflexión tenemos una historia acerca de cómo influyen las figuras autoritarias, y las no tan autoritarias pero sí cercanas, en la vida de una persona sin que los demás se den menor cuenta. Es así como por una parte tenemos el lado fuerte de Lale al ser la primera de las cinco hermanas en aprender a conducir para escapar de su realidad y soñar con irse a Estambul, y por el otro su lado frágil cuando sus hermanas abandonan el hogar, una tras una, al casarse.

Yo le brindo una ovación de pie a la realizadora Deniz Gamze Ergüven, turca de nacimiento y francesa de profesión, quien además de hacer un excelente debut dirigió la película estando embarazada, situación que no es muy fácil teniendo en cuenta la condición humana que se necesita para vivir un rodaje. Cabe mencionar que la historia es una vivencia personal de la directora. De la misma manera, les invito a ver esta película tan humana que doy por hecho que amarán apenas aparezcan en pantalla los créditos finales.

Ralph McQuarrie; el arte detrás de Star Wars

Jorge Durán: @JEDZ1138

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Ralph McQuarrie, artista conceptual para la trilogía original de Star Wars,  fue esencial en la creación de los personajes, vehículos, escenarios y mundos enteros dentro una galaxia muy, muy lejana.

Aunque la estructura y los conceptos base de la saga Star Wars nacen de George Lucas, es la habilidad y la imaginación de McQuarrie lo que logró traducir el trabajo de Lucas en un universo real y tangible. El primer acercamiento de artista conceptual con la industria del entretenimiento fue para la cadena de televisión CBS desarrollando animación y material artístico de apoyo para la explicación de las misiones lunares del programa espacial Apolo. Uno de los primeros trabajos de McQuarrie fue como ilustrador técnico de la compañía Boeing.

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Lucas conoció a McQuarrie a través de sus amigos Hal Barwood y Matthew Robbins, quienes habían contratado los servicios del ilustrador para ayudar a vender un proyecto fílmico. La relación de Lucas y McQuarrie data previo a American Graffiti (1973). Las ilustraciones de McQuarrie también fueron clave para lograr el apoyo de 20th Century Fox.

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El trabajo y la influencia de Ralph McQuarrie sigue siendo clave para la saga Star Wars. Recientemente, muchos de los diseños originales de McQuarrie sirvieron de inspiración para J.J. Abrams y su equipo en la nueva entrega de la saga: Star Wars: The Force Awakens (2015).

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Love: Oda de Gaspar Noé a las intensidades del amor

David Azar: @DavidAzar93

Gaspar Noe Love

Es importante recordar que el cine, además de una expresión artística y un medio de entretenimiento, puede llegar a ser, en las manos del cineasta adecuado, un experimento de provocación. De esta misma manera, cada generación de cineastas cuenta con al menos un provocateur nato; si repasamos las páginas de la historia nos encontraremos con algunos directores como Pier Paolo Pasolini, Larry Clark, Lars von Trier, Takashi Miike, entre otros. Hoy en día, conforme la censura en el cine se va desplomando cada vez más y la libertad artística va ganando terreno en la plataforma indie, contamos con muchos directores que por medio de sus historias e imágenes logran despertar las reacciones más incomodas e intensas de nuestra psique. Uno de los más populares actualmente es el realizador franco-argentino, Gaspar Noé.

Noé es famoso no solo por su elección de historias incómodas, sino también por las aún más incómodas ejecuciones de las mismas, enseñándonos desde situaciones como la psicopatía y desenfreno de un carnicero de caballos que mata a su esposa y tiene relaciones con su hija autista (Seul Contre Tous, 1998), hasta una violación intensa que termina en un asesinato más intenso capturado en un plano sostenido sin dejarnos con la alternativa de escapar (Irréversible, 2002). Es así como Noé se ha ganado el título de provocateur. Este año se estrena Love (2015), su cuarta y nueva película, la cual él mismo describe como “una verdadera historia de amor que hará llorar a las mujeres y tener erecciones a los hombres”. La campaña de publicidad previa al estreno de Love hizo justicia a la personalidad del polémico realizador; los cuatro posters muy explícitos de la película, la noticia de sexo no simulado entre los actores y la sorpresa de ser un espectáculo en 3D hicieron del nuevo filme de Noé el nuevo midnight screening que todo el mundo esperaba con impaciencia.

Con una duración de 135 minutos, la odisea erótica de Noé, curiosamente, es su película más tierna, suave y digerible, convirtiéndola en una decepción para muchos de los fanáticos amantes de la provocación sin limites del director. Yo no iría tan lejos como para llamarla una decepción, pero sí encontré en ella a un Noé más pasivo y soso, sobre todo en el guión. Sin embargo, un atributo del director aún vigente y un tanto reforzado en esta nueva película es su estilo visual ligado a la noción psicogeográfica de la cámara y los personajes; esta técnica que Noé domina con maestría se trata del siempre cambiante estilo visual de sus películas: en Seul Contre Tous, Noé establece una estructura visual basada en planos anchos y quietos y movimiento de cámara nulo, excepto el que ejerce cuando hace paneos fuertes a manera de transición de imagen; por otro lado, Irréversible está conformada por trece escenas filmadas cada una en un plano secuencia completo, en orden cronológico inverso y con una intensidad de movimiento que va disminuyendo conforme avanza la película; en Enter the Void (2009), el estilo visual es el de una mirada flotante cual alma recorriendo un mundo que ya no le pertenece; Noé está siempre a la vanguardia visual. En Love, Noé optó por planos estáticos y largos y muy pocos cortes, debido al formato del 3D y sus reglas visuales. Un buen toque estético es la luz roja que baña las escenas eróticas y la música que agiliza la sexualidad que Noé propone en la película.

Love es un experimento romántico y una oda al amor, ambas desde la óptica de un director que entiende conceptos duros de digerir. En mi opinión, no se trata de su mejor película, ni la más impactante, pero sí se trata de una excelente exploración del formato 3D y de intensidad sexual que va de la mano con una cita midgnight.

Desde allá: el fin justifica los medios con Lorenzo Vigas

David Azar: @DavidAzar93

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Como bien ya había mencionado anteriormente, los frutos de Lucía Films se lucieron en la edición 13 del Festival Internacional de Cine de Morelia, y una de sus producciones en particular llamó mucho mi atención. Se trata de la ganadora del León de oro de este año en Venecia: Desde allá (2015) del venezolano Lorenzo Vigas. Se trata de una coproducción entre México y Venezuela en donde Gabriel Ripstein, Guillermo Arriaga y Michel Franco ejercieron de productores por el lado mexicano, y Vigas, Rodolfo Cova y el actor Edgar Ramírez por el venezolano.

La cinta cuenta con los elementos anatómicos típicos de las producciones de Franco: planos sostenidos por mucho tiempo; diálogo seco, golpeado y preciso; travellings por la espalda; y la explosión narrativa al final que libera la tensión que carga toda la cinta a lo largo de su metraje. En mi opinión personal, Vigas maneja mejor tanto la cuestión técnica como la narrativa que el resto de los directores en la cantera de Lucía Films; encuentro en él a un realizador más maduro y con un estilo sobrio que sobresale por encima de sus colegas, incluso cuando incursiona apenas al largometraje con la película en cuestión.

Desde allá es un engaño elegante desde el principio. Se nos pinta de thriller pasional para luego jugar con nuestras percepciones. El personaje de Armando (interpretado por un magnífico Alfredo Castro) representa el arquetipo del minucioso, maquiavélico y determinado a fin de extirpar una espina de la vida. Por medio de rutinas cotidianas y convencionales y prácticas fetichistas e indiscernibles, nos cuesta mucho trabajo definir su personalidad, y esto lo convierte interesante hasta el último momento. El contraste entre Armando y Elder (caracterizado por un joven y talentoso Luis Silva) es brillante; Vigas explora la frontera de las personas en muchos aspectos, desde algo tan imprescindible como la edad hasta conceptos más complejos como el estatus socioeconómico y el entendimiento de la estructura familiar y el patrimonio que ésta representa.

El estudio psicológico de estos dos personajes se concentra en el enfoque humano, sobre todo en el caso de Elder. La relación entre ambos personajes desnuda poco a poco los traumas, temores, deseos y culpas de ambos, pero Elder es el que cuenta con la debilidad emocional más fuerte de los dos, y la manipulación juega un rol importantísimo en la trama. Prefiero no extenderme en este ámbito, pues puede que amortigüe la sorpresa que Vigas tiene preparada para ustedes, de la que puedo presumir que gocé mucho. El final de la película es impactante.

Hay cuestiones inconclusas que el director plantea y nunca termina de explorar, pero que curiosamente no resulta necesario el revelarlas. Por ejemplo, el significado del padre de Armando en sus traumas. Este detalle de la película nos puede llegar a carcomer la curiosidad y muchos dirían que Vigas no supo atar bien sus cabos; yo, más bien, me voy por la idea de una estrategia narrativa que resulta eficaz en el campo del thriller, y que, para ser el primer largometraje del director venezolano, lo ejecutó de manera excelsa.

Quiero concluir con una amplia recomendación de la película que, hago notarles, no es un thriller que todos pudiéramos disfrutar en su totalidad, pero los que lo hagamos lo apreciaremos mucho, entre tantas otras cosas, por su original acercamiento a uno de los temas que siguen siendo tabú incluso en el séptimo arte: la homosexualidad. Desde allá representa una fresca mirada al thriller latinoamericano y también es evidencia de la expansión territorial de Lucía Films.